Tras una primera jornada marcada por presencia de propuestas rock, el segundo día de esta edición de Mad Cool daba un giro hacia una programación claramente más orientada al pop, lo que se tradujo en un perfil de asistentes completamente distinto. En este sentido, me sorprendió especialmente el elevado porcentaje de público llegado de diferentes partes del mundo en comparación con la jornada anterior.
CMAT
El día arrancaba con la irlandesa CMAT, alter ego de Ciara Mary-Alice Thompson, que se presentaba en Madrid tras su paso el año pasado por el Primavera Sound de Barcelona dejando la sensación de ser uno de los estandartes de la última hornada europea del country-pop. Es como si Dolly Parton hubiera nacido en Dublín, un sonido a Nashville y con un rango que evoca a las grandes divas del sello Stax. En la apenas media hora que disponía para su actuación pudimos escuchar temas como “When a Good Man Cries”, “Take a Sexy Picture of Me”, su mayor éxito hasta la fecha, “I Wanna Be a Cowboy, Baby!” o “Stay for Something”.
Reneé Rapp
Poco después, el escenario paralelo recibía una de las artistas jóvenes con mayor proyección del panorama pop actual. Su propuesta de pop y R&B, ha llevado a que muchos la comparen con nombres como Olivia Rodrigo, Chappell Roan o Megan Thee Stallion. La estadounidense comenzó a ganar notoriedad sobre los escenarios de Broadway gracias al musical ‘Mean Girls’ y, más tarde, dio el salto a la televisión con su papel en la serie ‘The Sex Lives of College Girls’.
En Mad Cool abrió su actuación con “Leave Me Alone”, el single principal de su segundo álbum de estudio ‘Bite Me’, e incluyó temas como la seductora “Kiss It Kiss It” o “Poison Poison”. Más allá de su faceta artística, Reneé Rapp ha convertido la salud mental en uno de los ejes de su discurso, hablando con honestidad sobre sus propias experiencias y cómo estas han marcado su música. De esa vulnerabilidad nacen canciones como “Tummy Hurts” o baladas como “In the Kitchen” y “Snow Angel”, que también tuvieron su espacio en su concierto.
Charlie Puth
Por el escenario Orange asomaba Charlie Puth, y pasamos a curiosear. He de reconocer que solo había oído su nombre porque se dice que el de New Jersey tiene “oído absoluto” y una facilidad pasmosa para componer. Su estilo es un híbrido entre pop, un impecable R&B moderno, algunos sintetizadores que remiten al funk de finales de los ochenta con temas como “Beat Yourself Up” y texturas orgánicas con melodías pegadizas. Pero, sin duda, alcanzó la fama internacional gracias a canciones como “See You Again”, que interpretó junto a Wiz Khalifa o el “We Don't Talk Anymore” con Selena Gomez. En directo, dejó entrever que detrás de la estrella del pop, hay un músico sobresaliente que cuida cada detalle sonoro. Algo que probablemente sea un defecto profesional derivado de su faceta de productor.
Lorde
Llegaba el turno de Ella Yelich-O'Connor, la artista neozelandesa de raíces croatas mundialmente conocida como Lorde, una figura que irrumpió en la industria siendo apenas una adolescente y que cambió su vida para siempre cuando, con solo 15 años, compuso “Royals” en apenas media hora en su casa de Auckland. Aquella chispa de genialidad doméstica no solo le valió dos Grammys, sino que marcó el inicio de una identidad capaz de transitar con elegancia entre el synth-pop y el art pop.
Precisamente, el arranque de su concierto se sostuvo sobre esa herencia interpretando esta canción, una primera bala para recordarle al público de dónde salió todo. Sin embargo, el foco se desplazó rápidamente hacia el presente con “What Was That”, un tema de su último trabajo ‘Virgin’, el álbum que abrió una nueva etapa creativa y que ha servido de columna vertebral para buena parte de esta gira, algo que en Mad Cool no iba a ser diferente.
Sonaron temas como “Shapeshifter” con la electrónica como elemento narrativo, “Current Affairs”, más enfocada a la radiofórmula o “Liability”. Entre estos vaivenes llegaba el turno de “Supercut”, tema que encapsula muy bien su sonido y al que siguieron canciones como “Team”, uno de sus temas capitales y puente entre distintas etapas de su carrera, “Man of the Year”, “Girl, so confusing” de Charli XCX o “Green Light”, un tema que parece concebido para bailar con los ojos cerrados. El concierto bajó el telón con la artista dándose un baño de masas interpretando “Ribs” en una pequeña plataforma cercana a la mesa de sonido. Lo que es cierto es que ha logrado conectar con el público que mira el pop comercial con cierta distancia.
Zara Larsson
Justamente en el escenario opuesto llegaba la sueca y su dance-pop con una soltura que pocas artistas de su generación dominan. Como dato curioso, con solo diez años ganó el Got Talent sueco que la llevó a firmar su primer contrato discográfico.
No es una desconocida para el público madrileño… ya ha pasado por citas como el Dcode en 2016, el Brava Madrid hace un par de años y el propio Mad Cool, donde repite tras su participación en la edición de 2022.
Lo hacía con ‘Midnight Sun’, su quinto álbum de estudio, donde ha dado un giro decidido hacia el electropop y el drum and bass. Precisamente la canción que da nombre al disco, “Midnight Sun”, abrió una actuación marcada por la energía y ese tono bailable que se mantuvo como hilo conductor durante todo el concierto.
Con una estética y puesta en escena que recordaban al universo Barbie, le siguieron “Can’t Tame Her”, donde Zara hizo gala de glamour, coreografías y una actitud arrolladora que no abandonó en ningún momento.
Después llegaron el pop de tintes casi tribales de “She Did It Again”, la explosiva “Hot & Sexy”, que volvió a poner el foco en su vertiente más electrónica, y “Ain't My Fault”, una descarga de serotonina sintética pensada directamente para el directo. El cierre inevitable era “Lush Life”, coreado por todo el recinto y confirmado una vez más como su tema más universal.
La Paloma
Mientras una de las grandes cabezas de cartel de la jornada, la surcoreana y exintegrante de Blackpink, Jennie, asomaba en el escenario principal concentrando gran parte de la atención del público del Mad Cool, en otro punto del recinto se desarrollaba una propuesta bien distinta, a menor escala pero igualmente significativa. En una de las carpas de Mahou, entre el ambiente más cercano del formato reducido, se dejaba caer una de las representaciones nacionales de esta edición: La Paloma.
En ese contraste encontraron su lugar natural, defendiendo un repertorio de indie rock dirigido a una generación de público más actual. Sin mucho artificio, nos ofrecieron un concierto que se sostuvo sobre una energía más cruda, un oasis musical dentro de cualquier otro que se estaba produciendo en ese mismo momento. Una buena actitud que conectaba de forma inmediata con quienes buscaban algo más terrenal dentro del macrofestival. Canciones como “Todo esto”, “Palos” o “La edad que tengo” demostrando que hay veces que no se necesitan grandes pantallas ni producciones monumentales para sentirlo real.
Teddy Swims
Nos movíamos al escenario Orange para ver el concierto de este estadounidense cuyo ascenso ha sido tan rápido como improbable.
Jaten Dimsdale, su nombre real, pasó de grabar versiones en internet a convertirse en una de las voces más reconocibles del soul-pop contemporáneo, un terreno donde conviven R&B, country y rock sureño sin necesidad de fronteras.
Entrar en el universo de Teddy Swims es aceptar que vas a entrar en un viaje visceral del soul de la calle y que te va a encantar el proceso.
Abrió la noche de un portazo con “The Door”, un tema que suena a clásico desde la primera nota.
Seguidamente nos embaucó con “Hammer to the Heart”, y es que es como si Otis Redding hubiera nacido en plena era de TikTok, demostrando que el soul puede seguir siendo atemporal incluso en clave actual. Una afirmación que se puso en mayúsculas con el equilibrio entre lo místico y lo vulnerable de “Are You Even Real” o el giro a la zona celestial de “Funeral”, que nos hizo mover los pies.
Teddy Swims no solo ha ganado fama por ser auténtico sobre el escenario, sino también por la cercanía que demuestra con sus seguidores.
Buena prueba de ello llegó durante el concierto, cuando varios fans de las primeras filas lanzaron sus vinilos al escenario para que se los firmara. El cantante los cogía, firmaba y devolvía al público sin dejar de cantar en ningún momento.
Otros temas como “What More Can I Say” volvieron a traer la sensación de estar ante un clásico, a disco de la Motown que te encuentras en un rastro y te alegra el día. Es el soul de siempre, sí, pero con un envoltorio totalmente magnético. Y es que Teddy descoloca.
Olvídate de los cantantes de soul limpios, porque Teddy suena a verdad y, como dije anteriormente, a calle.
Me encantó la chulería rítmica de “Goodbye's Been Good to You” y “Bad Dreams”, uno de sus clásicos indiscutibles y ese himno nocturno que se ha convertido en el pilar de su repertorio.
También incluyó el reciente sencillo, “Mr. Know It All”, que expande su paleta de colores al incluir capas e influencias de rock de los años 80, una versión del “Jump” de Van Halen; “Bed on Fire”, un tema de combustión lenta pero que se graba a fuego para luego destilar “Guilty”, el auténtico soul de los pecadores, y poner el broche de oro con “Lose Control”.
Tiene una calidez vocal que te abraza y te recuerda que, perder el control, a veces es la única forma de encontrarse.
Teddy Swims es la prueba de que el soul no entiende de etiquetas ni de apariencias. La demostración de que el talento real no tiene nada que ver con la estética de Instagram. Es la voz que une a todas las generaciones en el festival.
Florence + The Machine
Última parada de la noche. Pocas bandas del siglo XXI han sabido construir un universo tan reconocible como Florence + The Machine.
Desde su irrupción a finales de los 2000, el proyecto liderado por Florence Welch ha convertido el folk, el rock barroco y el pop en una experiencia casi espiritual, donde la épica convive con la vulnerabilidad y cada canción parece escrita para resonar en catedrales o bosques encantados.
Pero olvídate de hadas. Lo de Florence Welch es otra cosa… levita sobre el escenario como una deidad pelirroja enviada para salvarnos. Descalza, magnética e indomable, se mueve con la energía de quien parece pertenecer a otro plano, guiándonos como si formáramos parte de su propia congregación.
Cuando Florence + The Machine aparece sobre el escenario, todo lo demás desaparece. Así arrancó la noche con “Everybody Scream”, un primer rugido que funcionó como bautismo de fuego y marcó el inicio de la ceremonia en esta edición de Mad Cool.
Ese trance continuó con “Shake It Out”, donde los movimientos de Welch, casi espasmódicos y magnéticos, nos empujaron hacia algo más primitivo; “Witch Dance” apareció en forma de hipnosis rítmica envuelta por un colchón de tintes góticos o “Spectrum”, que nos arrastró a una espiral de folk, color y psicodelia.
El viaje casi lisérgico continuaba con “Hunger”, sumada a “King”, donde reivindica su corona sin pedir permiso a nadie, “Howl”, el latido tribal de “Heaven Is Here” o “Buckle”, que por cierto siempre me ha parecido que desprende un aroma a Alanis Morissette. Florence Welch tiene ese don de convertir la música en una enredadera que se iba enroscando en nuestros pies hasta dejarnos atrapados dentro de su propio universo.
Llegábamos al final, no sin antes invocar a la felicidad colectiva al son de “Dog Days Are Over” y “Free”. Y con la banda británica poníamos punto final al segundo acto y ecuador de esta edición.
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