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30 años de ‘Appetite For Destruction’ de Guns N’ Roses: Bajo la señal de la cruz

20 julio, 2017 4:14 pm Publicado por  6 Comentarios

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El 21 de julio de 1987 se editó ‘Appetite For Destruction’. El gran debut discográfico de Guns N’ Roses vio la luz bajo la firma Geffen Records. Nadie se imaginaba que se volvería una obra trascendental y marcaría un hito musical en la década del 80, permitiéndoles abrirse paso entre la vorágine de hard rock que predominaba la poblada escena del Sunset Strip en la magnética Los Ángeles.

Este 30 aniversario junta a Axl Rose, Slash y Duff McKagan, tres de sus músicos originales, girando alrededor del mundo con el exitoso “Not In This Lifetime Tour”, sin que nadie pueda dejar pasar ese bache en medio de sus movidas al ir aproximándose la fecha en cuestión. Se ha llegado a fantasear con una celebración sorpresa, como la que se generó aquel mes de abril en The Troubadour hace ya más de un año, aunque por el momento sólo se trata de una madeja de especulaciones más cargada de ilusiones que de señales concretas. Aún así siempre vale la pena revivir e indagar en la magia que desprenden esas épocas, cuando tener hambre por la destrucción significaba destruir para crear y forjar algo absolutamente nuevo.

La calle de los sueños

En 1985, las constelaciones confluyeron marcando el rumbo de cinco músicos algo errantes y caóticos, pero dotados de talento, pasión y férreas convicciones, además de jeans gastados, remeras viejas y botas tejanas para transitar cientos de calles bajo las luces de neón. El vocalista Axl Rose y el guitarrista Izzy Stradlin se unieron a Slash como guitarra principal junto al bajista Duff McKagan y Steven Adler en la batería. Así conformaron el que quizá haya sido uno de los mejores y más vendidos álbumes debut. Aún así, los comienzos no fueron nada fáciles para esta joven agrupación, ya que su éxito arrollador causó estragos, especialmente en lo concerniente al abuso de drogas.

Guns-N-Roses

Para que las cosas ocurran, además de ambiciones, se necesita que ciertos factores lo favorezcan. Uno de esos hilos conductores en sus principios fue Vicky Hamilton, quien tenía el monopolio de las bandas que tocaban en pubs como Whisky a Go Go y The Roxy. Adoptada como representante extraoficial, negociaba las sumas de dinero que podían cobrar; a medida que surgían las fechas y se volvían populares, ganaban oficio y se mantenían en el ruedo… y eso que antes se las rebuscaban para que el dueño de algún bar aceptara que brindaran una actuación de apenas 20 minutos.

Otra oportunidad crucial vino por parte de Anthony Hudson, padre de Slash, persona relacionada con la industria musical y que conocía a Tom Zutaut, un influyente ejecutivo de Geffen, quien se rindió ante la fascinación que le produjo escuchar a Axl interpretar “One In a Million” a capela. Lo hizo empuñando una guitarra acústica mientras se sentaba en un sillón destruido situado en la guarida donde durante meses convivieron todos sus integrantes, la Hellhouse. El 26 de marzo de 1986 lograron firmar su primer contrato por 75.000 dólares como adelanto de la grabación de un disco, acordando un tiempo determinado para conseguir un productor.

Vivir como un suicida

Nunca habían tenido dinero y administrarlo era una tentación que había que aprender a controlar. En un breve lapso lo malgastaron en superficialidades, lo que les llevó a tener múltiples deudas y darse al alcohol y sustancias ilegales, que retrasaron la producción de la obra. Desde Geffen permanentemente intentaban rastrearlos con el propósito de averiguar cómo les estaba yendo, pero a decir verdad, tampoco estaban muy involucrados en la búsqueda de un productor oficial. Sin haber pisado un estudio de grabación ni dedicarse a componer, finalizó el plazo, revelando que el dinero se les había esfumado. Sin embargo, la discográfica no iba a arriesgarse a perderlos, por lo que les dejó hacer lo que podían bajo sus propios formalismos y horarios. Cuando dejaron de estar en el foco, notaron que lo suyo no era trabajar bajo presión y, entonces, las cosas comenzaron a fluir.

Guns_N_Roses-Live_@_Like_A_Suicide_(Ep)-FrontalEn lo personal, Rose inició los trámites para solicitar el cambio legal de su nombre, asunto que tenía pendiente desde que llegó a Hollywood. En 1986 apartaron algo de su material para editar un EP independiente llamado ‘Live?!… Like A Suicide!’ bajo el sello UZI Suicide Records, incluyendo temas como “Reckless Life”, “Move To The City”, “Nice Boys”, “Don’t Play Rock N’ Roll” de Rose Tattoo y “Mama Kin” de Aerosmith para testear el mercado. Cuatro semanas después de su edición habían vendido 10.000 copias; Geffen les compró los derechos y designó a Mike Clink como productor para encarrilarlos.

El éxito en las ventas hizo que estuvieran mejor cotizados y ahora, al estar amparados por una multinacional, desvincularon a Vicky Hamilton, cambiándola por Larry Niven como nuevo representante. Los medios gráficos comenzaron ha hacerse eco del EP, por lo que se les empezó a ver como un grupo con buena proyección; eso sí, debían adaptarse a las circunstancias y dejar de lado el descontrol. Una buena manera de hacerlo era centrarse en un estudio de grabación; las sesiones solían ser de madrugada o en cualquier momento que se sintieran “iluminados”, plasmando su predilección por bandas clásicas de hard rock y blues como AerosmithLed ZeppelinAC/DC o Rolling Stones, sin perder esa conexión con la escena glam, el heavy metal británico o el punk.

Hacedor de problemas

Axl-y-Everly

Axl Rose y Erin Everly

En Inglaterra, los diarios sensacionalistas publicaron que los 75.000 dólares que les había proporcionado la discográfica se habían gastado una mitad en equipos y deudas, mientras que la otra mitad en sustentar vicios. Ya inmersos en el proceso de creación, las sesiones de grabación se volvieron terribles, ya que se veían condicionados por sus estados anímicos, entrando en largos periodos de ausencias y desenfrenos; no ayudaba el hecho de que Axl no escapara de sus problemas personales, incluyendo las permanentes crisis en su relación con la modelo Erin Everly y las secuelas emocionales provocadas por los abusos sufridos en su infancia (estaba diagnosticado como maníaco depresivo); le llegaron a prescribir litio. Se metía en peleas casi sin querer, como por ejemplo en una noche en la que se enfrentó a un desconocido, lo que provocó que lo detuvieran. Zutaut pagó la fianza para devolverlo al estudio, pero lo habían golpeado en la cárcel y debía recuperarse.

En otra circunstancia similar, y justo un mes antes del tan proclamado lanzamiento, el vocalista fue asaltado por una pandilla que lo golpeó hasta dejarlo inconsciente. Estuvo internado en terapia intensiva, lo que le llevó a sufrir un fuerte estrés que provocó una nueva postergación. Sin conseguir sobrellevar su depresión, le obligaban a tomar sus medicamentos para que pudiera seguir grabando. Recibió una inesperada denuncia por violación, lo que no ayudaba nada a la situación, y obligó a la discográfica a contratar abogados que le aconsejaron permanecer oculto hasta resolver la causa. Los cargos fueron desestimados, pero la policía no dejó de perseguirlo. Haber desaparecido durante tanto tiempo hizo que los medios no se hicieran eco de su próximo lanzamiento. Un cúmulo de obstáculos que se situaban entre ellos y la finalización del trabajo.

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Guns N’ Roses en Marquee Club, Londres

Dos semanas después, y superados los malos tragos, viajaron por primera vez a Europa para realizar un concierto en el Marquee de Londres. Corría junio de 1987, pero sumando otro traspiés, perdieron el avión y se pelearon en pleno aeropuerto. Alan Niven había llegado al viejo continente con los mejores anuncios, pero sin embargo no fueron bienvenidosm ya que se encontraron con un público hostil que no tuvo piedad. Regresaron a Estados Unidos un tanto aturdidos, ingresando de lleno a la última instancia de la producción del álbum. Tras varias interrupciones y diversos inconvenientes, las intensas e interminables sesiones pasaron a formar parte del pasado; se habían dejado el alma en aquel estudio. La mezcla corrió a cargo de Mike Clink y el 21 de julio de 1987, ‘Appetite For Destruction’ al fin estaba en la calle.

Bomba incendiaria

Se necesita solo una chispa para iniciar la llama que desate un incendio, y tal vez ese fuego se haya generado desde su portada original: una pintura del artista Robert Williams llamada “Appetite for Destruction”. Causó gran impacto visual y todo un escándalo al mostrar a una joven, aparentemente drogada, ultrajada por un robot mientras que en el fondo había un graffiti que indicaba “Guns N’ Roses estuvo aquí”. A dos semanas de salir a la venta, a las tiendas de discos les resultaba insultante hacia el género femenino y fue censurada por órdenes de las autoridades de bien público, enviándolos a un segundo plano. Se los acusó de misóginos y llegaron a obtener una crítica feroz, desprecio e indiferencia desde el aspecto musical, considerándolos como un grupo menor que buscaba acelerar sus ventas mediante un mero truco publicitario.

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Sintiéndose injustamente interpretados, lograron que la postal quedara incluida en el interior del disco y la sustituyeron por la Appetite Cross. El diseño de la cruz celta realizada por Billy White Jr., un estudiante de arte de Long Beach que, surgió, según sus palabras, de un día en el que Axl me pidió que le dibujara un tatuaje en el que quería que la cruz y las calaveras se parecieran a los miembros de la banda, mientras que los nudos dentro de la cruz son por Thin Lizzy, un grupo que Axl y yo amábamos”, refiriéndose a Johnny the Fox, disco de 1976 donde usaron elementos celtas.

Además de tatuársela en su brazo por obra de Robert Benedetti en el Sunset Strip Tattoo de Los Ángeles, también fue acreditada en el booklet de ‘Appetite For Destruction’. El artista Andy Engel tuvo que hacer algunos cambios para que fuese aprobada como cubierta secundaria. Durante una reciente entrevista realizada a Rose en el 2011 para el programa That Metal Show, reveló que el concepto original había sido el Challenger explotando, igual que en aquella mítica portada de la revista Time. Finalmente se decidieron por la pintura de Williams y, posteriormente, por la cruz tan icónica y explotada masivamente en su merchandising.

Coronados de gloria

Luchando contra las desavenencias y prejuicios que se les presentaban, “Welcome To The Jungle” fue elegida como soundtrack de “The Dead Pool” (“La lista negra” en España) del año 1988, formando parte de una escena en la que Jim Carrey interpretaba la canción como si de Axl se tratara. Además, la formación hace un breve cameo como parte de los asistentes de un funeral. Al principio a ninguna emisora de radio le interesaba pasar esta canción hasta que, por presión de Geffen, tuvieron que dedicarle unos minutos de madrugada. Tras ser rogada, la angustia urbana que proyecta el tema hizo que los jóvenes se identificaran con ellos y comenzaran a pedir que volvieran a sonar sus alaridos, convirtiéndose en su primer vídeo oficial. La MTV comunicó en varias ocasiones su constante temor de que las empresas de cable cancelaran sus contratos si la música de GNR‘ sonaba en su cadena. No se imaginaban que más tarde la banda pasaría a ser su favorita.

Dando pasos agigantados, sus shows en vivo ahora le daban una excelente reputación y la indiferencia e intolerancia de otras épocas ya no existían. Más unidos e involucrados con su disco, fueron ascendiendo en los rankings; el panorama comenzaba a mejorar y Hollywood parecía darles un respiro, abriéndoles sus brazos. Tras modificar la tapa del vinilo, la repercusión en Inglaterra fue muy distintas a aquellas que soportaron en el Marquee, llegando a vender 30.000 copias. The Cult los convocó para ser la apertura de sus shows, sirviéndole de enlace para que sucediera lo mismo con la gira que Mötley Crüe estaba iniciando. Más tarde llegó el turno de Aerosmith y un inconveniente de salud sufrido por Steven Tyler hizo que pasaran a ser la atracción principal. Poco después, MTV les propuso documentar su histórica función en The Ritz de New York, evidenciando que Guns N’ Roses ganaba así su primer batalla.

La banda maldita

‘Appetite For Destruction’ alcanzó el puesto N°1 de Billboard tras haber pasado un año de su lanzamiento. El 20 de agosto de 1988 participaron del festival Monsters Of Rock de Castle Donington, compartiendo el evento con AC/DC, Alice Cooper, Helloween, Megadeth, David Lee Roth, Iron Maiden y Kiss; no cabía ni un alfiler. Interpretaron dos veces “Paradise City” con la intención de hacer un vídeo de la canción. Tuvieron que detener durante unos minutos el show en medio de “You’re Crazy” porque un vendaval derribó una de las pantallas gigantes. Cayó sobre el público y desató una avalancha humana. No reanudaron el show hasta que no se tranquilizaron todos.

Los organizadores les ordenaron continuar y antes de despedirse dijeron: “Que tengan un buen día y no se maten”. No sabían lo que había sucedido hasta que llegaron a los camerinos: Landon Sigers de 22 años y Alan Dick de 18 habían sido aplastados y habían muerto asfixiados. Conocer ese dato les cambió y, desde entonces, cada vez que un show aparenta salirse de control, se despierta una alarma que los obliga a encauzar la situación.

Su popularidad creció en 1989, ya que empezó a salir a la luz cierto material que para ellos no tenía nada de inédito: la canción “One In a Million”, que había sido compuesta en 1982 cuando Izzy y Axl recién habían llegado a Los Ángeles, creó controversia, catalogándolos de homófobos y racistas por el contenido de su letra. Como consecuencia, se vieron obligados a retirarse de un concierto en New York organizado contra el SIDA. Debiendo disculparse y dar explicaciones alentados por las circunstancias, tuvieron que aprender a manejar su exposición y ver las cosas de una forma distinta ya que los premios, fans y el reconocimiento masivo empezaron a surgir de manera acelerada.

Libro de memorias

El 26 de julio de 1989 ‘Appetite For Destruction’ ya superaba las 8.000.000 de copias vendidas en Estados Unidos y, un mes después, ‘GN’R Lies’ lo hacía con 3.000.000 de placas, situándolos en lo más alto del estrellato del mundo del rock. En la celebración de aquel año, y mientras Axl Rose desempeñaba una performance junto a Tom Petty, el vocalista de Mötley Crüe, Vince Neil se enfrentaba a Izzy en el backstage. Le acusó de haber querido propasarse con su mujer por lo que Rose encaró a Vince pidiendo explicaciones sobre el confuso episodio. Su respuesta fue desafiarlo a pelear públicamente frente a las cámaras en plena gala. No pasó a mayores y quedó como un simple recuerdo anecdótico.

Intentando dejar los conflictos atrás y disfrutar de su éxito, en el mes de septiembre el disco ‘Steel Wheels’ de los Rolling Stones salía a la venta, incluyendo a Living Colour y Guns N’ Roses como apertura en su gira por Estados Unidos. Pero en vez de alegrarse por esta gran oportunidad, se encontraban haciéndole frente a críticas y acusaciones surgidas a causa de “One In a Million” y peleando tras bambalinas, porque los excesos parecían estar tomando el control. Todo esto les afectó artísticamente, y eso que cada vez gozaban de mayor reconocimiento; más gente concurría a sus shows, más discos vendían y más grupos de trayectoria los invitaban a girar. Por eso mismo era necesario enderezar su comportamiento y mantener cierto grado de profesionalidad.

Obtener una gran cantidad de premios no los ayudaba a madurar; habían sido favoritos de American Music Awards y premiados por “Sweet Child O’ Mine” como “Mejor canción rock pop del año”. Además, “Paradise City” fue elegida “Mejor canción heavy metal”. Duff y Slash aceptaron el premio a “Mejor disco heavy metal” por ‘Appetite For Destruction’ en representación de Guns N’ Roses mientras estaban borrachos y gritando groserías, dando así material de que hablar una vez más a la prensa sensacionalista.

“No quiero ver lágrimas por culpa de las drogas”. Esta fue una de las memorables declaraciones del vocalista. Acordaron no subir a escena sin desprenderse de sus adicciones al menos unas horas antes, de modo que pudieran mantenerse en pie y salvaguardar su set. Pero no sería nada fácil de cumplir, ya que algunos de sus músicos estaban fuertemente inmersos en el consumo de heroína. Sin acostumbrarse a las medias tintas, Rose no dudó en hacer pública su molestia, anunciando una posible disolución a la hora de interpretar “Mr. Brownstone”.

Con los rumores y la amenaza de una prematura ruptura, Izzy, Slash y Duff iniciaron un proceso de desintoxicación. Antes de que la cosa empeorara, en 1988 lanzaron ‘Lies’, un EP que compilaba temas acústicos. No fue hasta 1991, con la edición de su disco doble ‘Use Your Illusion’, cuando llegaba el auténtico y digno sucesor de su poderoso álbum debut. Eso sí, antes de nada, Axl Rose tuvo que someterse a un tratamiento psicológico para exorcizar los males que lo aquejaban. Según sus palabras: “Antes de grabar ‘Appetite For Destruction’ estábamos menos preparados para un éxito tan gigantesco, así que, para nuestro próximo disco, teníamos que sobrellevarlo todo y mantenernos vivos. Decididamente si no hubiese hecho ese trabajo psicológico previo, nunca hubiese podido hacer una nueva placa”.

Track By Track

Welcome To The Jungle

Tentando a la suerte y sin un lugar donde dormir, Axl Rose pasaría la noche en el patio de una escuela de Queens, lugar en el que un hombre se le acercó y le advirtió “Estas en la jungla”, refiriéndose a los peligros que lo acechaban y el aprender a vivir adaptándose a los riesgos de una ciudad poco pacifica. Plasmó más adelante esa experiencia en la canción.

It’s So Easy

La mayor parte fue compuesta por Duff McKagan, quien acapara con su bajo una intro que va escalando y va tomando cada vez más velocidad. Se le sumaron algunos arreglos en la letra por parte de Axl y West Arkeen, un músico amigo y gran colaborador. Es de una notable influencia punk, tanto en su letra como en su sonido.

Nightrain

El nombre fue tomado de una bebida alcohólica barata y fácil de conseguir. La borrachera ayudaba a combatir el frío a través de las calles de Los Ángeles.

Out Ta Get Me

Rose declaró en el clásico concierto ‘Live at The Ritz’ que va dedicada a aquellos que tratan de reprimirte, decirte cómo vivir, vestir o hablar: “Va para aquellos que te oprimen haciéndote sentir que estás afuera y que salieron para atraparte”. Su letra se basa en los problemas constantes entre el cantante y la ley. La escribió en menos de 3 horas durante su juventud en Indiana.

Mr Brownstone

Compuesta por Izzy luego de haber mantenido una conversación con Slash acerca de sus propias experiencias con las drogas. El término Brownstone se refiere a la heroína en la jerga callejera y claro, esto hizo que fuera mal interpretada al considerarla por muchos como una apología, mientras que lo que intenta reflejar es una adicción gradual a dicha sustancia.

Paradise City

Según Slash, fue escrita de regreso de un show en San Francisco con la banda Rock N’ Riders, en una furgoneta alquilada mientras bebían y tocaban guitarras acústicas, momento en el que se les ocurrió la intro. Duff e Izzy empezaron a tocar juntos. Slash tarareó una melodía y Axl cantó “Take me down to the Paradise City” a lo que Slash continuó “Where the girls are fat and they got big titties” pero Axl lo cambió por “Where the grass is green and the girls are pretty”.

My Michelle

Michelle Young era una amiga de la banda. Un día viajaba en taxi junto a Axl Rose y durante el trayecto sonó “Your Song” de Elton John. Michelle mencionó que le gustaría que alguien le escribiera un tema así. Ella figura en los créditos de la contraportada, pero hoy en día afirma que le gustaría que no se supiera quien la inspiró ya que en la actualidad es madre y una persona de importancia en la compañía donde trabaja.

Think About You

Su letra romántica puede parecer que cae en lugares comunes, pero se complementa con ese sonido latoso y bien característico de los 80. Izzy aportó su toque compositivo en este tema, ironizando con que había estado inspirado en la heroína a la hora de crearla.

Sweet Child O’ Mine

Slash logró demostrar su tremenda habilidad con la guitarra en la intro. El mito cuenta que se trataba de una vieja carta escrita a Erin Everly que se volvió canción, pero también trascendió que solo fue una composición adosada a Erin para querer impresionarla. Aunque ya tenían el material suficiente, terminaron de definirla en pleno estudio y la incluyeron en el álbum. Su vídeo se filmó el 11 de abril de 1988 en el Ballroom de Huntington Park (California).

You’re Crazy

Escrita en acústico y renovada para ‘Appetite For Destruction’, se grabó en su versión original para ‘GN’R Lies’. Se presentó en vivo con guitarras eléctricas. Según Axl Rose: “Cada vez que grabábamos “You’re Crazy” algo pasaba; cuando empezamos a tocar entramos como en trance y dejamos todo atrás”.

Anything Goes

Este tema fue originalmente scrito para Hollywood Rose de Axl e Izzy; grupo previo a Guns N’ Roses. Básicamente intenta dejar expresado que en cuanto a sexo, todo vale, detallándolo con un mensaje simple y claro.

Rocket Queen

Nombre tomado de Barbie Von Grief, una amiga del Sunset Strip que quería formar una banda a la que denominaría así. Para darle un toque erótico, cuando Steven Adler y su novia Adriana Smith rompieron, Axl le propuso a Adriana probar con los sonidos de una verdadera relación sexual, experimentando una noche salvaje en el estudio de grabación. Así recurrió a la estrategia más fácil para poder aportarle ese costado porno.

Sí en esta vida

Con una obra de menos de una hora de duración, unos estudiados cambios de ritmo y una buena combinación con los matices vocales de Axl Rose, lograron embriagar cada canción en las que se ven reflejadas las experiencias personales que atravesaban sus vidas a diario. Los ascendentes toques de la batería de Steven Adler le aportan un sonido característico, mientras que el bajo de Duff se torna de forma muy precisa. Los acordes menguantes de Izzy, luego de los potentes solos de Slash, le agregan esa fuerza atemporal que provoca un efecto atronador.

Podría decirse que sus raíces quedaron marcadas de forma intacta con este disco. Casi sale a la luz la versión que Axl, en sus años de ostracismo, había llegado a regrabar, adaptándolo a técnicas modernas. Pero finalmente la idea quedó truncada a causa de sus manías de perfección. Tampoco es casualidad que la mayor parte del setlist de esta actual gira, Not In This Lifetime Tour, esté inundado por temas del polémico trabajo tan adelantado a su época. De esta forma reflejando cuan significativo es, fue y será, no sólo para su público, sino también para ellos mismos.

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Los antecedentes demuestran que la reunión era un fantasma que siempre sobrevoló. Como en el año 2007 durante la celebración del 20 aniversario del ‘Apettite For Destruction’, donde estuvieron Steven, Duff, Gilby e Izzy. Slash no quiso subir al escenario montado en el Key Club por un conflicto con Scott Weiland, quien temía por el futuro de Velvet Revolver si esto ocurría. La muerte de Weiland hace apenas unos años pudo ser uno de esos factores que los llevó a replantearse volver a tocar juntos y dejar de lado cualquier diferencia, sabiendo que en esta vida no hay tiempo para viejos rencores. Cuando es imposible volver atrás, sólo queda curar aquellas heridas y mirar hacia adelante.

Tercos y obstinados, tenaces y combativos, cambiaron formaciones, experimentaron diversos sonidos cada uno abocado a sus propios proyectos, pero por fin, 30 años después, se reencuentran y permanecen en la cima. ‘Appetite For Destruction’ continua siendo una gloria que los rescata para siempre del polvo y el olvido, con apenas doce canciones plasmadas en una cinta de celulosa o placa de vinilo que todavía se oyen en una época donde buscamos que las rosas venzan a las armas. Ellos supieron ganarse un merecido puesto en las alturas de un podio al que solo unos pocos llegan. Una vez allí, se convirtieron en leyendas.

Lucy Dávalos
Twitter/Instagram: @lucydavalosOk

 

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Esta entrada fue escrita por Redacción

6 comentarios

  • Tomas de ciudad real says:

    Muy buen artículo y muy bien documentado. Si es unos de los discos más importantes de la historia del rock de los últimos 30 años. Seria un aniversario mucho más celebrado si ellos hubieran conseguido mantenerse en el tiempo y no auto destruirse desde el primer momento cargándose a su batería después a stradlin que era quien mejores composiciones hacia. Al final se quedaron en una banda efímera que hicieron cuatro discos. Sinceramente hay otros grupos y artistas que todavía siguen en activo y grabando discos y alguno de sus discos también cumple 30 años aunque no sea tan transgresores como este, pero que nada tiene que envidiar

    • pepa says:

      articulo mal redactado,traducido sin conocimiento del ingles y con muchos datos erróneos y de gran envergadura.¡enhorabuena!

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