No todos los días uno se topa con un trabajo dedicado a la salud mental y problemas contemporáneos como la depresión o la dificultad para expresar emociones. Desde luego se torna increíble que la espectacular sinfonía de sentimientos que nos encontramos en ‘Salt & Static’ proceda de la mente exclusiva de una persona. Ese genio responde al nombre de Sam George, productor, compositor y multiintrumentista con su propio estudio de grabación. Alfredo Villaescusa es el encargado de trasladarle sus inquietudes.
¿Por qué elegiste el título Salt & Static? Creo que hay una idea importante detrás...
“El título surgió de la relación entre los aspectos físicos y psicológicos de la salud mental. Tendemos a pensar que la salud mental es algo que sucede exclusivamente en nuestra cabeza, pero la realidad es que también la experimentamos físicamente. “Salt” representa esa parte tangible y humana: el sudor, las lágrimas, el dolor y el desgaste físico que supone simplemente intentar mantenerte entero. “Static”, por su parte, representa el ruido interior: los pensamientos intrusivos, la ansiedad, la inquietud emocional y las interferencias constantes que pueden dificultar enormemente encontrar algo de claridad.
Me gustaba la yuxtaposición de estas dos ideas porque, para mí, están intrínsecamente conectadas. Lo que sucede en tu cabeza se manifiesta en tu cuerpo, y lo que experimentas físicamente puede tener un impacto enorme en tu estado psicológico. No son dos cosas separadas, por mucho que nos gustaría que lo fueran.
El disco explora seis aspectos diferentes de la salud mental masculina y parte directamente de mis propias experiencias con la depresión, las adicciones, el duelo, la comunicación, la identidad y los pensamientos suicidas. No son necesariamente capítulos de una historia lineal, sino instantáneas individuales de distintas luchas, todas ellas conectadas por esa relación entre lo físico y lo psicológico.
En definitiva, ‘Salt & Static’ trata sobre lo que sucede cuando esos dos mundos chocan. Habla de las cosas que cargamos sobre nuestros hombros, de las que reprimimos y de ese ruido que continúa mucho después de que los demás crean que estamos bien. También quería que el título resultara un tanto incómodo, porque estos temas no son precisamente agradables. Y creo que esa es precisamente la razón por la que debemos hablar de ellos”.
Creo que has tocado y producido todos los instrumentos del álbum. ¿Ha sido un proceso difícil?
“Sí, he compuesto, interpretado, producido, mezclado y masterizado todo el disco. Es algo que te proporciona una libertad creativa increíble, pero también es una forma fantástica de acabar volviéndote completamente loco.
Hay algo maravilloso en disponer de una libertad creativa absoluta. Podía obsesionarme con los detalles más pequeños, seguir ideas por caminos absurdos y tomar decisiones basándome exclusivamente en mi instinto, sin tener que explicárselas ni justificárselas a nadie. Creo que esa libertad era importante, especialmente en un disco tan personal como este. Quería que cada elemento de la música fuera una extensión de mí mismo, en lugar de algo condicionado por los compromisos o el consenso.
Pero esa libertad tiene un precio. Cuando eres responsable absolutamente de todo, no hay nadie que cuestione tus decisiones, te ofrezca una perspectiva diferente o te diga cuándo algo está terminado. Puedes sumergirte tanto en los pequeños detalles que acabas perdiendo por completo de vista el conjunto. Y si no tienes a nadie con quien intercambiar ideas, es sorprendentemente fácil empezar a cuestionártelo absolutamente todo.
Con la mayoría de estas canciones, sinceramente, no tenía ni idea de si eran buenas hasta que las terminé. ¡Es una situación bastante extraña cuando has dedicado cientos de horas a crear algo! Eres el artista, el productor y tu crítico más despiadado al mismo tiempo, y esos tres no siempre se llevan demasiado bien.
Sin embargo, no cambiaría el proceso. En ocasiones fue agotador, pero el resultado probablemente sea la representación más honesta y sin concesiones de mí mismo que he creado jamás. Que eso sea algo bueno o no ya depende por completo de los demás”.
No hay muchos discos que aborden la salud mental masculina. ¿Crees que era importante tratar este tema?
“Por supuesto. Creo que es una conversación importantísima y que todavía no se nos da demasiado bien mantener. En los últimos años se ha producido un cambio positivo en la manera de entender la salud mental, pero pienso que los hombres, en particular, seguimos teniendo dificultades para aceptar nuestra vulnerabilidad. Se nos educa, de forma consciente o inconsciente, para ser resistentes, autosuficientes y mantener nuestras emociones bajo control. Por desgracia, ser muy bueno guardándotelo todo para ti no significa necesariamente que sepas gestionar bien lo que te sucede.
En mi caso, nunca he pretendido que este disco sirviera para educar a la gente ni presentarme como alguien que tiene todas las respuestas. Más bien todo lo contrario. Se trata de compartir mis propias experiencias con la mayor sinceridad y transparencia posibles, con la esperanza de que alguien pueda reconocerse en ellas. La depresión, las adicciones, el duelo, el aislamiento y la dificultad para expresar lo que sientes pueden ser experiencias tremendamente solitarias, especialmente cuando te convences de que nadie más podría entender lo que estás pasando.
No creo que la música tenga necesariamente que ofrecer soluciones ni conclusiones perfectamente cerradas. A veces, reconocer simplemente que algo existe ya tiene un valor enorme. ‘Salt & Static’ no promete que todo vaya a salir bien, porque la vida no siempre funciona así. Lo que ofrece, espero, es una sensación de compañía. La tranquilidad de saber que, sea lo que sea lo que estés viviendo, no necesariamente tienes que afrontarlo en soledad.
Hay algo muy poderoso en coger aquello que más tendemos a ocultar y sacarlo para que todo el mundo pueda escucharlo. Desde luego, resulta incómodo, pero si esa vulnerabilidad consigue que una sola persona encuentre un poco de consuelo o reúna el valor necesario para hablar de sus propias dificultades, creo que el disco habrá conseguido algo mucho más importante que ser simplemente una colección de canciones”.
Musicalmente, diría que bandas como Enter Shikari o Sleep Token son referentes importantes para ti. ¿Es así? ¿Qué grupos señalarías como influencias?
“¡Me tomo ambas comparaciones como un cumplido! Siempre he admirado la valentía de Enter Shikari a la hora de abordar temas difíciles, y me parece extraordinaria la creatividad de Sleep Token al construir todo un universo y una mitología alrededor de su música. Ambas bandas demuestran que la música pesada puede ser mucho más que un simple ejercicio de agresividad, y es algo en lo que siempre he creído firmemente.
En realidad, mis influencias son bastante variadas y, a menudo, proceden de lugares que quizá no asociarías inmediatamente con el metal. En el plano armónico, me encanta escribir música que desafíe las expectativas convencionales, por lo que recurro mucho a la profundidad emocional y al lenguaje armónico de los compositores clásicos del romanticismo. Me fascina la capacidad de la armonía para crear tensión, incertidumbre y resolución, y para comunicar a veces cosas que las palabras sencillamente no pueden expresar.
Desde una perspectiva progresiva, grupos como Dream Theater han influido enormemente en mi manera de abordar las estructuras musicales. Me encanta la idea de llevar al oyente de viaje, permitiendo que una pieza evolucione y se desarrolle en lugar de limitarse a repetir las mismas secciones hasta que todo el mundo esté harto. Pero, por muy compleja que sea la música, la melodía es absolutamente fundamental en mis composiciones. Queen y Elton John son dos influencias enormes en ese sentido. Su capacidad para crear melodías musicalmente sofisticadas y, al mismo tiempo, inmediatamente memorables, es algo a lo que aspiro constantemente.
Y luego, por supuesto, está el lado más agresivo. Me encantan la complejidad rítmica y la extraordinaria destreza técnica de Periphery y Protest the Hero. Más recientemente, me he convertido en un gran admirador de Calva Louise, que están haciendo cosas realmente innovadoras con la música pesada.
Supongo que ‘Salt & Static’ es el punto en el que confluyen todas esas influencias. No me interesa especialmente ceñirme a los límites de un único género. Quiero que la música sea melódica, atrevida en el plano armónico, progresiva, cinematográfica y, cuando sea necesario, absolutamente feroz. El reto consiste en conseguir que todos esos elementos encajen entre sí, en lugar de que parezca que alguien ha mezclado aleatoriamente seis listas de reproducción completamente diferentes”.
En este álbum encontramos diferentes estados mentales. ¿Has experimentado todo lo que aparece en las seis canciones?
“Sí, absolutamente todo. Cada canción del disco procede directamente de mis experiencias personales. No hay historias ficticias, personajes inventados ni intentos de abordar estos temas desde una distancia segura. ¡Soy yo, para bien o para mal!
En muchos sentidos, ‘Salt & Static’ es lo más honesto y vulnerable que he creado nunca. He convivido con la depresión y la ansiedad durante gran parte de mi vida adulta, he luchado contra las adicciones, he experimentado el duelo, me he cuestionado mi propia identidad y he llegado a encontrarme en lugares extraordinariamente oscuros. No he elegido estos temas simplemente porque den pie a buenas canciones. Son cosas que he vivido de verdad y que, en algunos casos, todavía estoy intentando afrontar.
Y tengo que reconocer que exponer una parte tan grande de ti mismo públicamente da auténtico terror. Hay una diferencia considerable entre vivir algo en privado y convertirlo en una pieza musical que pueden escuchar, analizar e interpretar completos desconocidos. Como compositor, estás acostumbrado a exponer tu creatividad a las críticas, pero cuando el tema es tan personal, puedes sentir que estás invitando a la gente a juzgar tu propia existencia.
Sin embargo, creo que esa vulnerabilidad es precisamente lo que da sentido al disco. No podría animar razonablemente a otros hombres a hablar con más franqueza de sus dificultades mientras yo mismo me escondiera detrás de metáforas e historias ficticias. Si pido a la gente que reconozca sus propias experiencias en estas canciones, lo mínimo que puedo hacer es ser completamente sincero sobre las mías.
Así que sí, da miedo. Pero también creo que hay algo enormemente liberador en dejar de sentir la necesidad de ocultar las partes más difíciles de quién eres. Y si mostrarme tan abiertamente ayuda a otra persona a sentirse un poco menos sola, estoy dispuesto a asumir esa vulnerabilidad”.
Creo que dijiste que no estabas aquí para seguir tendencias, sino para hacer avanzar el metal. ¿Crees que el género está un poco estancado actualmente?
“Creo que en estos momentos hay muchísimo metal que suena sorprendentemente parecido, sí. Y lo digo como alguien a quien le encanta la música pesada. En ciertos sectores del género parece haberse desatado una carrera armamentística en la que todo el mundo compite por ser más ruidoso, más pesado, más brutal y técnicamente más disparatado que el grupo anterior. ¿Quién puede componer el breakdown más repugnante? ¿Quién puede conseguir una voz más inhumana? ¿Quién puede afinar las guitarras tan grave que prácticamente esté comunicándose con la fauna marina?
Y que no se me malinterprete, me encantan todas esas cosas cuando se utilizan de forma creativa. Pero creo que existe el peligro de que la búsqueda de la extrema contundencia se vuelva más importante que la propia composición. Hay muchísimo estilo por encima de la sustancia. Puedes contar con músicos técnicamente impresionantes, una producción espectacular y un vocalista que parece estar siendo sometido a un exorcismo, pero, si debajo de todo eso no hay una idea musical interesante, ¿de qué sirve?
Las voces son un ejemplo especialmente interesante. Hay un talento extraordinario en la interpretación vocal extrema, pero a veces me resulta realmente difícil distinguir a un cantante de otro. Cuando todo el mundo utiliza técnicas, fraseos y producciones similares, parte de la personalidad propia se pierde. Y creo que lo mismo puede decirse de los arreglos, los sonidos de guitarra e incluso la manera de mezclar los discos.
Pero no diría, ni mucho menos, que el metal en su conjunto se haya estancado. Hay artistas increíblemente innovadores que están ampliando los límites del género, y eso es precisamente lo que lo hace tan apasionante. Simplemente creo que debemos tener cuidado de no confundir evolución con extremismo. Hacer algo más pesado no lo convierte automáticamente en algo más interesante, y la complejidad técnica no implica necesariamente que haya más musicalidad.
Para mí, hacer avanzar el metal significa atreverse a cuestionar sus convenciones en lugar de limitarse a exagerarlas. Experimentar con la armonía, las dinámicas, la melodía, las estructuras y las influencias procedentes de fuera del género. A veces, lo más poderoso que puedes hacer en una canción pesada es, precisamente, quitar elementos.
En definitiva, prefiero escribir una canción brillante que resulte ser metal antes que una demostración brillante de metal que, por casualidad, se parezca a una canción”.
¿Vas a presentar el álbum en directo o se trata únicamente de un proyecto de estudio?
“Me encantaría tocar el disco en directo, pero, por desgracia, creo que necesitaría varios pares de brazos adicionales, unas cuantas piernas más y, posiblemente, un segundo cerebro para conseguirlo.
Como escribí e interpreté todo yo mismo, los arreglos no se concibieron teniendo en cuenta las limitaciones prácticas de una actuación en directo. Hay capas y capas de guitarras, orquestaciones, sintetizadores, ritmos intrincados y arreglos vocales, a menudo sonando todos al mismo tiempo. Intentar reproducir fielmente todo eso sobre un escenario exigiría reunir a un grupo de músicos bastante impresionante y, probablemente, a un pequeño ejército de técnicos para que todo funcionara.
Esa es una de las grandes ventajas de trabajar exclusivamente en el estudio. Puedes escribir lo que la música necesite sin preocuparte de si será físicamente posible interpretarlo en directo.
Así que, por ahora, ‘Salt & Static’ es estrictamente un proyecto de estudio. No descarto la posibilidad de llevarlo a los escenarios de alguna manera en el futuro, porque creo que podría dar lugar a una experiencia en directo fascinante. Pero querría hacerlo bien, en lugar de comprometer la música para que resultara más fácil de interpretar”.
Por cierto, ¿cómo acabaste viviendo en Cáceres? Allí tienes Mammoth Sound Studio...
“La versión resumida es que conocí a mi mujer en Londres, tuvimos a nuestra hija y decidimos mudarnos a Cáceres. Así que, como sucede con muchas de las decisiones importantes de la vida, todo fue por una mujer. Aunque, en este caso, por dos.
Trasladarme de Londres a Extremadura supuso un cambio considerable, especialmente después de haber pasado buena parte de mi carrera inmerso en la industria musical británica. Pero enseguida me di cuenta de que aquí había una oportunidad. Extremadura cuenta con una comunidad maravillosa de músicos y artistas, pero dispone de una infraestructura de grabación profesional relativamente limitada. Quería crear un lugar en el que los artistas de la zona pudieran acceder al mismo nivel de instalaciones de grabación, producción e ingeniería de sonido que encontrarían en un gran centro musical, sin tener que recorrer cientos de kilómetros para ello.
Esa fue la motivación que me llevó a crear Mammoth Sound Studio. Es un estudio profesional de grabación y producción completamente equipado, que incluye la posibilidad de realizar mezclas en Dolby Atmos. Pero, igual de importante, quería que se convirtiera en un punto de encuentro creativo para la comunidad musical local. Un lugar donde los artistas pudieran colaborar, experimentar y desarrollar su trabajo en un entorno que se tomara su música en serio.
Y, por supuesto, lo maravilloso de trabajar en la música hoy en día es que la geografía ya no supone la limitación que representaba antes. Puedo trabajar con artistas de todo el mundo y, al mismo tiempo, disfrutar de todo lo que ofrece vivir en Cáceres”.
Escribiste un libro sobre cómo convertirse en un productor musical competente en 365 días. ¿Es posible? ¿Qué consejos darías a los productores jóvenes?
“¡Por supuesto! Aunque probablemente debería aclarar que convertirse en un productor musical competente en 365 días no es lo mismo que convertirse en uno excepcional. Para eso hacen falta años de experiencia, experimentación y, quizá lo más importante, cometer una enorme cantidad de errores.
Aprender producción musical no es fundamentalmente diferente de aprender cualquier otra habilidad. Requiere disciplina, constancia y práctica deliberada. Si dedicas tiempo todos los días a desarrollar tus conocimientos y capacidades, te sorprendería lo que puedes llegar a conseguir en un año.
La filosofía que hay detrás de ‘Become a Competent Music Producer in 365 Days’ es que necesitas comprender los fundamentos antes de poder desarrollar tu creatividad de una manera significativa. Creo que esto se pasa cada vez más por alto, especialmente en la era de los tutoriales en internet y las redes sociales. Hay una oferta interminable de contenidos que prometen enseñarte a conseguir una mezcla profesional en cinco minutos o revelarte el truco secreto que transformará tus producciones de la noche a la mañana. Por desgracia, muchos se saltan las partes aburridas, que son precisamente las que necesitas comprender de verdad.
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Aprender sobre acústica, flujo de señal, ajuste de niveles, relaciones entre frecuencias, dinámica y fundamentos del sonido no resulta especialmente glamuroso. ¡Nadie se hace viral explicando la ley del inverso del cuadrado! Pero esos principios constituyen los cimientos sobre los que se construye absolutamente todo lo demás. Cuando comprendes por qué funciona algo, en lugar de limitarte a memorizar cómo lo ha hecho otra persona, estás preparado para afrontar por tu cuenta prácticamente cualquier reto creativo o técnico.
Por eso, mi consejo para los productores jóvenes es que resistan la tentación de buscar atajos. Aprended bien los fundamentos, sentid curiosidad por todo y no dejéis nunca de preguntaros por qué las cosas suenan como suenan. No confundáis tener equipos caros o saber manejar un programa concreto con comprender realmente el sonido.
Y, sobre todo, entrenad el oído todos los días. El oído es la herramienta más importante que tendréis como productores y, a diferencia de los plugins, es algo que podéis mejorar continuamente con la práctica. Escuchad con atención, de forma analítica, y prestad atención a música que se salga de vuestros gustos habituales. Cuanto mejor seáis capaces de reconocer lo que estáis escuchando, mejores decisiones podréis tomar sobre lo que estáis creando.
En definitiva, el objetivo no es convertirse en alguien que sabe qué botones tiene que pulsar, sino en alguien que comprende por qué los pulsa”.
El punk me salvó la vida y el hard rock siempre ocupó un lugar especial en el corazón, al igual que el rock gótico, pero nunca me he cerrado a otros géneros. Cual buscador de oro en el lejano Oeste, agito mi peculiar colador para quedarme con aquello que particularmente llame la atención o sobresalga del resto de propuestas, pues creo con firmeza en la vieja máxima de que de todo se puede aprender, o sacar algo de provecho, como decían los antiguos.
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