¿Cómo están las cosas ahora en Países Bajos con el tema de la Covid-19? Supongo que también está yendo a mejor.

“No tiene buena pinta aquí, eso pienso, pero no tengo ni idea. Llevo treinta años confinado y no tengo ni idea de lo que pasa, pero he escuchado que no está yendo bien por aquí y el Gobierno ya realmente ya no sabe qué hacer, qué van a permitir y qué van a restringir. Esto ya no tiene sentido”.

Como llevas tanto tiempo metido en casa, no habrás notado demasiada diferencia en tu día a día, ¿no?

“La verdad es que no (risas). Lo único es que voy una vez cada dos semanas al supermercado y tengo que llevar una mascarilla. Es todo lo que he notado”.

¿Por qué prefieres quedarte encerrado en casa focalizándote en la creación de nueva música y no te gusta salir, tal vez para obtener inspiración de la vida cotidiana o de lo que sea?

“Bueno, salgo a andar, pero no soy una persona social. Giré por todo el mundo durante quince años en los setenta, ochenta y primeros de los noventa [Ndr: Arjen fue guitarrista de Vengeance]. Al principio lo disfruté, ya sabes, tienes veinte años y de repente te haces famoso, las chicas se fijan en ti… Fue totalmente guay en el principio, pero muy pronto descubrí que no era mi tipo de vida. Mi vida es crear, estar en el estudio, escribir canciones y hacer álbumes”.

Para no ser un tipo social, siempre estás muy bien rodeado por músicos increíbles en tus proyectos…

“Bueno, yo lo explico con una canción de mi disco en solitario llamada “The Social Recluse” (el recluso social). Yo soy un recluso, pero un recluso muy sociable (risas)”.

¿Por qué es tan fascinante para ti el espacio exterior y las películas y los libros de ciencia ficción en torno a los que giran tantas canciones de Star One?

“Es evasión, no querer ser parte de la vida real. La vida real es bastante mierda. Si veo las noticias, me pongo muy agresivo, y no quiero ser agresivo. Me molesta mucho, me frustra mucho no poder hacer nada sobre lo que ocurre. Ya cuando era niño quería escapar; todos los demás niños jugaban a cosas y yo me quedaba en mi habitación leyendo libros o escuchando música. Soy un freaky de los auriculares desde que era realmente joven, me ponía los cascos y me metía en mi mundo, igual que cuando veía películas y cosas así. Me gustaba de niño, y ahora me gusta hacer que la gente escape de la realidad por un momento”.

Lo paradójico es que has pasado de ser un niño aislado a un músico famoso en todo el mundo, especialmente entre los amantes del rock progresivo.

“Eso es lo bueno de internet. Tiene muchas cosas malas, pero lo bueno es que puedo mantener un contacto muy estrecho con los fans. Trato de contestar todos los comentarios que ponen en Facebook y YouTube, todos los e-mails que recibo… Es muy importante para mí permanecer en contacto con los fans, y saber lo que les gusta e, incluso más, lo que no les gusta”.

Star One es como el hermano más metalero de Ayreon, y ha pasado una década sin un nuevo disco del proyecto. ¿Cuál fue el motivo del tan largo silencio de Star One y qué te llevó a retomarlo ahora?

“Como te digo siempre, cada disco que hago es una reacción al anterior. El anterior disco fue ‘Transitus’, como disco de Ayreon, y fue un disco raro. Estaba pensado para ser una película, pero la película no se hizo, y fue más como un musical. No era un disco de progresivo y tampoco lo era de metal. Por primera vez en los 25 años que han pasado desde que empecé con Ayreon, empecé a escuchar algunos comentarios negativos. Mucha gente no lo entendía, aunque otra mucha sí. Yo estoy orgulloso del disco, pero, en cualquier caso, fue el álbum con peor recibimiento de todos los de Ayreon, también por parte de la prensa. Sentí que era demasiado complicado, que le di demasiadas vueltas, y decidí no pensar demasiado, enchufar la guitarra y hacer un disco más directo basado en las guitarras. Todo surgió muy naturalmente, y eso me llevó automáticamente a Star One, porque, como tú dices, Star One es el hermano metalero de Ayreon”.

En cualquier caso, estamos ante un disco muy progresivo y laberíntico en muchos sentidos, muy elaborado y lejos de, simplemente, enchufar la guitarra y tocar a lo AC/DC, ¿no?

“Lo último que dices es verdad (risas), pero la respuesta es sí y no. No me resulta tan elaborado en cierto sentido. El último disco de Ayreon me llevó tres años hacerlo, y este nuevo disco de Star One me ha llevado solo tres meses. Y es muy básico, no tiene todos esos instrumentos clásicos y folclóricos: el violín, el chelo, las flautas, las mandolinas… Me centré mucho en lo básico: bajo, batería y guitarra. Y después, claro, el hammond, que siempre va a estar ahí, así como también muchos sintetizadores. El mayor trabajo con este disco fue con todos los músicos invitados. Primero había que adaptar a ellos los arreglos, luego asegurarse de que todas las partes les llegan y que recibo sus partes… Toda la logística se llevó la mayor parte del tiempo”.

¿No crees que temas de Ayreon como “Run, Apocalypse Run” o “Planet Y Is Alive” podrían haber encajado perfectamente en este álbum?

“Sí, exacto, y así es como lo explico cuando la gente me pregunta por la diferencia entre Ayreon y Star One. Siempre digo que cualquier canción de Star One podría ser una canción de Ayreon, pero que no todas las canciones de Ayreon podrían ser canciones de Star One. Por ejemplo, “Valley of te Queens” no podría ser una canción de Star One”.

¿Cómo te las apañas para incorporar a tus discos músicos de primer nivel mundial? ¿Es porque todos te admiran de corazón, porque ganaste la lotería una vez y no nos lo quieres decir o porque eres un tipo extremadamente majo aunque estés aislado en tu estudio?

“Tengo muchas maneras de extorsionar a la gente. Cuento con espías en todo el mundo, fans muy leales que me proporcionan toda la información para chantajear a estos cantantes (risas). No te puedo decir en qué consisten estas extorsiones, porque me dan mucha información y me piden que no la divulgue. Si lo hiciera, rompería las reglas del chantaje (más risas). Ya en serio, ahora con el Covid fue mucho más fácil, claro. Habitualmente le pregunto a treinta personas y de esas, veinte me dicen que sí, ¡pero esta vez se le pedí a treinta personas y las treinta me dijeron que sí!”

Pero está claro que tienes que ser un músico muy admirado para que músicos tan solicitados y con semejante caché te digan que sí sin rodeos.

¿No crees que puede ser un indicio de que tú también estás entre los mejores del disco?

“Lo cierto es que no, porque miro a estos tipos y… es algo muy raro. A veces hay segundos en los que creo eso, y son segundos muy felices. Imagínate: recibo un solo de tres minutos de Steve Vai que es perfecto y bueno, a lo mejor no son segundos, sino una hora en la que digo: “Oh, Dios mío, tengo algo alucinante”. Pero después de una hora, eso se disipa y la inseguridad vuelve y pienso: “Oh, Dios mío, ¿cómo voy a conseguir hacer algo mejor que esto? ¿Qué va a pensar la gente?” Siempre conservo esa inseguridad, lo cual es bueno, porque es lo que me hace perfeccionista. La necesito”.

¿Cómo de grande crees que serían Ayreon o Star One, o tú mismo como músico si girases con regularidad como por ejemplo hace Avantasia?

“Es una muy buena pregunta, porque estuve veinte años sin tocar con Ayreon en directo, y cuando empecé a tocar en directo, cuando hice dos shows en 2017 y otros dos en 2019, ví cómo las ventas fueron brutales. Y fueron solo unos pocos shows en Holanda. Si girara por todo el mundo constantemente, estoy seguro de que Ayreon sería mucho más grande y que mucha más gente lo conocería. Mucha gente sigue sin conocerlo a día de hoy. Pero nunca va a pasar, no lo necesito, yo estoy muy feliz con cómo están yendo las cosas así, así que la pregunta de “¿y si…?” no está en mi cabeza”.

Ron Bumblefoot, Steve Vai, Michael Romeo, Timo Somers, Joel Hoekstra o Adrian Vandenberg son algunos de los increíbles guitarristas que aparecen en este disco. ¿Qué los hace ideales para formas parte de este disco?

“Necesito a guitarristas que cuenten una historia, eso es muy importante. Si es solo hacer shredding o mostrar lo rápido y técnicamente que puedes tocar, no me dice nada. He cogido todos estos guitarristas porque sé que pueden contar una historia desde el principio hasta el final, y tienen el virtuosismo para tocar realmente rápido, pero también saben lo que hacen, pueden hacer grandes melodías, pueden combinar genialmente las dos facetas. Además, necesitaba un buen sonido. Puedes ser un gran guitarrista, pero si no tienes un buen sonido, no podrías encajar en mis canciones, en la producción de un disco de Star One o Ayreon. Estos son los puntos en los que me fijo”.

Cada guitarrista tiene una forma de tocar, e imagino que adaptarás las canciones a sus respectivos estilos.

“Lo primero que hago es terminar todas las canciones, con las guitarras básicas. Y después pienso en qué guitarristas encajarían en cada canción. Por ejemplo, si coges la primera canción, “Fate of Man”, es un tema muy rápido y es obvio que era la pista perfecta para Michael Romero, que es un guitarrista muy veloz y entiende ese tipo de música, lo cual es importante. Para mí, es muy importante que al guitarrista le guste la canción en la que va a tocar; si no le gusta, nunca va a tocar en ella un buen solo. Por su parte, “Revel in Time” es un tema más de hard rock, en el estilo de Black Sabbath o Led Zeppelin, y esas son las raíces de Adrian Vandenberg, y eso es lo que hace con su propia banda y lo que hizo con Whitesnake”.

¿Pasa lo mismo con los vocalistas, que piensas en ellos después de componer las canciones? Hay texturas vocales muy distintas entre sí en este álbum, desde Brittney Slayes a Joe Lynn Turner, pasando por Jeff Scott Soto, Ross Jennings, Joe Lynn Turner e incluso Roy Khan cantando de nuevo metal.

“Lo bueno es que he encontrado la combinación entre mis héroes de toda la vida, como Joe Lynn Turner, Tony Martin o Jeff Scott Soto, y el nuevo talento que he descubierto, como el de Ross Jennings, Brittney Slayes o Brandon Yeagley. Me gusta la combinación de ambos, y me da mucho placer dar la oportunidad a un nuevo cantante, así como también me da placer trabajar con mis héroes”.

¿Es uno de tus discos más diversos y coloridos en el aspecto vocal?

“Totalmente. Ciertamente, es el disco en el que más cantantes he tenido jamás. Creo que tuve dieciocho cantantes en ‘01011001’ (Ayreon), y esta vez creo que son veinte. Y sí, este álbum es muy versátil, cada canción es diferente. Si te fijas en los primeros cuatro singles, tenemos “Fate of Man”, que es un tema rápido ; “Lost Children of the Universe”, que es grandilocuente, épica y lenta; “Prescient”, un tema extraño y progresivo con muchas capas vocales; y “Revel in Time”, que es un corte muy rockero”.

El tema que abre el disco, “Fate of Man”, es muy powermetalero, probablemente una de las piezas más veloces que jamás has publicado, pero no te gusta abusar de la rapidez en un disco entero, sino que prefieres las oscilaciones y las variaciones, ¿verdad?

“Totalmente. Suelo meter siempre un tema rápido en cada disco. El primer disco de Star One tenía “Set Your Controlls” y el segundo, “Human See, Human Do”. Mi influencia ahí no es el power metal, sino Rainbow, temas como “Kill the King” o “Spotlight Kid”. Ahí es donde están mis raíces. El power metal no es una música que suela escuchar”.

¿Por qué decidiste grabar una versión alternativa de cada canción con vocalistas diferentes? ¿Por qué se te acumularon los que accedieron a participar?

“Más bien. Volviendo a la cuestión de que encajen en los temas, debido a la Covid no pudieron venir a mi estudio, lo cual fue una faena, porque así es como extraigo lo mejor de cada vocalista, estando juntos y trabajando en las canciones juntos.  Así que esta vez tuve que enviarles voces guía que, por supuesto, tenían que ser perfectas, porque no podía guiarlos yo mismo en el estudio. Lo que les mandara tenía que ser tan bueno que ellos pensaran: “Oh, Dios mío, qué bueno es esto! ¡Cómo voy a hacer algo mejor?”. Así que grabé todas las voces guía masculinas con John “Jaycee”, que sí pudo venir a mi estudio, y las femeninas con Marcela Bovio. Fueron tan buenas que no parecían voces de guía, sino voces perfectas por sí solas, así que pensé que tenía que publicarlas. No quería llamarlas voces guía, así que decidí llamarlas “mismas canciones, diferentes cantantes”. Las únicas voces que tuve que regrabar fueron las mías, porque daban asco (risas)”.

Pero quedaste satisfecho con tus voces, ¿no?

“Sí, con muchos trucos de estudio (risas)”.

¡Venga ya, no te creo!

“¡Es verdad! Si me ves en directo te darás cuenta de que no canto en tono. No soy como los otros cantantes, me lo tengo que currar mucho, no me sale fácil. Pero bueno, al final hago que funcione”.

¿Te gustaría cantar más en tus propios discos?

“Sí. Me encanta cantar, ¡es guay! No tienes que ponerle cuerdas a la guitarra, afinarla para tener un buen sonido… Simplemente tienes que ponerte frente al micrófono y empezar a cantar. ¡Así de fácil! Me gustaría ser mejor, pero bueno”.

Pero sigues tocando la guitarra en todas las canciones, ¿verdad?

“Toco todas las guitarras menos los solos y los teclados, y programo todas las baterías en las demos para después mandárselas a Ed Warby, que después las graba en el estudio”.

¿Hay algún solo de guitarra tuyo en este disco?

“Sí hay uno, lo cual me dio mucho miedo, porque tocar un solo en un disco en el que tocan Steve Vai, Ron Bumblefoot, Adrian Vandenberg o Joel Hoekstra da miedo (risas)”.

Hay una canción que se titula “28 Days (Till the End of Time)”. ¿Cómo actuarías si faltaran 28 días hasta el final de los tiempos? Te imagino componiendo y grabando música como un poseso.

“Compondría y grabaría muy rápidamente un disco en solitario, porque no necesitaría incorporar a otros cantantes, dado que sería imposible en 28 días (risas). Haría ese disco en solitario y nadie lo escucharía jamás. Imagino que si te quedan pocos días, tendrás algo mejor que hacer que escuchar mi disco en solitario (más risas)”.

¿Cuál es tu próximo paso como músico? ¿Tal vez un nuevo disco de Ayreon para resarcirte de lo controvertido que fue el anterior?

“Sí, en eso tienes razón, pero no estoy seguro de si estoy preparado para él todavía. Todo dependerá de las ideas que tenga. Si cojo la guitarra, no puedo predecir lo que va a salir, así que simplemente tengo que esperar hasta que me venga la inspiración, lo cual siempre lleva un tiempo después de terminar un disco. Pero no estoy seguro de que vaya a ser un disco de Ayreon; podría ser algo diferente. No tengo ni idea todavía”.

¿Cuándo volveremos a verte sobre un escenario, si es que tienes idea de volver a tocar en un concierto en eléctrico?

“En 2015 hicimos los espectáculos de ‘The Theater Equation’, los conciertos de Ayreon Universe en 2017, los de ‘The Electric Castle’ en 2019, así que el paso lógico era hacer otro show en 2021, lo cual planeamos pero claro, no pudo ser a causa de la pandemia. Tuvimos que moverlo a 2022, pero por desgracia tampoco será posible, porque tenemos que poder recibir como 12.000 personas de 64 países, lo cual no sería posible en este punto. Así que, una vez más, lo hemos movido a 2023. Básicamente, las fechas están reservadas en septiembre de 2023, pero para que puedan celebrarse todo tiene que estar despejado a finales de este año, lo cual va a ser complicado”.

 ¿Qué tipo de shows van a ser? ¿Tocaréis un solo disco de Ayreon?

“Sí, va tratar de un solo disco de Ayreon, como cuando hicimos los conciertos de ‘The Electric Castle’. Tenemos ideas, pero podrían cambiar, así que no te lo puedo decir”.

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Jason Cenador

Periodista y redactor en Mariskalrock

Periodista musical por vocación y Licenciado en Periodismo. Apasionado del rock y el metal en toda su riqueza. Locutor de La Hora Argonauta en MariskalRock Radio, de lunes a jueves a las 19:00 CET.

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