Entrevista a Yngwie Malmsteen: “La longevidad es lo más difícil de este negocio; hay bandas que tuvieron discos número uno y que ahora nadie sabe quiénes eran”

Preguntamos para empezar si nos atiende desde Suecia o en EEUU, y nos deja claro que está disfrutando de la puesta de sol y conduciendo uno de sus Ferrari convertible por las calles de Miami Beach. Por el sonido que se escucha, y lo que conocemos de la historia y leyenda de Yngwie, sabemos que no miente. Y es que las rockstars de vieja escuela son así, ¡y nos encanta! Que no se pierda nunca la actitud ni la autenticidad.

“¡Sí!, eso es lo que estoy haciendo ahora mismo (risas)”.

Una vez contextualizadas las coordenadas espacio-temporales, arrancamos la charla, y empezamos hablando de forma genérica de cómo compone un disco actualmente un artista como él. Lo que deja claro es que no lo hace ni por obligación ni mecánicamente.

“Supongo que puedo componer cualquier cosa que quiera. Es verdad, pero a lo que me refiero es que esa no es la manera en la que hago mis discos porque, si lo hiciera así, no tendría demasiado significado para mí, ¿sabes? Probablemente estaría bien, pero la cuestión es que lo que hago con este álbum, y especialmente ahora ha sido así, es coger las cosas que me llegan a la cabeza casi como si fueran un regalo. Y me quedo con las ideas que me entusiasman, las que me resultan más emocionantes. Es difícil de explicar, lo he contado muchas veces, pero es así”.

Empezamos a desvelar el sentido del título, ‘Hell or High Water’, que tiene que ver con la idea de seguir adelante pase lo que pase o morir con las botas puestas, metafóricamente hablando, sin cambiar tu manera de actuar o pensar. Pero derivamos la conversación al punto de cómo la IA no puede sustituir el fuego y el alma de los artistas reales. Y que los músicos como él son imposibles de imitar.

“Yo siempre lo he visto más o menos así. No es algo que piense solamente ahora. Para mí, si no es realmente honesto, si no sale de tu alma, entonces está un poco vacío. Es como… te voy a poner una comparación: cualquiera puede aprender a escribir a máquina rápido, pero no todos pueden escribir un libro, ¿verdad? Así que, simplemente porque uses las mismas palabras, las mismas letras o las mismas notas, no significa que lo que hagas vaya a ser una verdadera obra de arte que vaya a perdurar 200 o 300 años. Creo que, al final, todo se reduce a eso. Y lo curioso es que mucha gente no sabe, o parece no saber, que, en la era de Bach, durante la época de todos esos grandes compositores clásicos me refiero, había miles de compositores más. Miles, literalmente, pero, ¿te acuerdas de ellos?”.

No, está claro que no, y es un poco lo que pasa en la actualidad, ¿verdad?

“En cierto modo, hoy en día pasa algo parecido. Hay muchísimo de todo, pero ¿va a perdurar? ¿Es algo real o simplemente una estrategia? ¿Es una copia o se hace simplemente por motivos comerciales o las razones que sean? Yo, personalmente, no quiero formar parte de eso. Quiero decir, en los años 80 tenías que jugar a un juego determinado, y todo estaba muy estructurado. Pero si conseguías que una canción sonara en la radio, entonces podías hacer el disco prácticamente como quisieras. Pero hace mucho que no pienso así, desde principios de los 2000, diría. Después de la ola del grunge, no hubo otra ola que viniera a sustituirla. No hubo nada que tomara el relevo, y de ahí a la enorme cantidad de cosas que existen hoy en día, cuando todo está tan fragmentado.

En 1964, los Beatles llegaron a Estados Unidos. Tocaron en Nueva York y se convirtieron en la banda más grande del jodido mundo gracias a un programa de televisión, ¡a un solo programa! En aquella época había tres canales de televisión, así que todas las familias, todo el mundo, estaba viendo aquello. Ahora, si entras en YouTube, hay miles de millones de personas haciendo vídeos y miles de millones de personas viendo cosas diferentes. Es decir, no existe ese foco de atención ni interés real. La última vez que algo así pudo suceder fue quizás con la MTV, porque solo había un canal de videoclips. Y si aparecías allí, podías convertirte en un éxito enorme, pero también lo contrario: si no aparecías, pues no”.

Sin abandonar lo que estamos hablando, pasamos el foco de la conversación a que en los 70 y 80, esto no era posible, y obviamente había que actuar de otra manera para captar la atención tanto del público como de la industria.

“¡Y en los 60! Había una forma de hacer las cosas muy estructurada, para bien y para mal. Creo que lo único bueno que salió de aquello fue que funcionaba como un filtro, pero el proceso de selección era muy jodido: Si había 50.000 bandas en una ciudad, o en un país, de esas 50.000 quizá una conseguía un contrato. Y eso hablando de diez países más o menos grandes, con lo que podemos decir que sería una de cada 500.000. Así que, si no lograbas que te fichara un sello, si no conseguías sonar en la radio, si no llegabas a ser telonero de una banda más grande… Si no lograbas todas esas mierdas, no había nada más que pudieras hacer. Me refiero a que no podías grabar tu propio puto vídeo y subirlo a Internet, eso no existía. Por lo que eras un esclavo del sistema, ¡tal cual! Quiero decir que tenía cosas buenas y cosas malas.

Creo que lo bueno era que el proceso de selección era tan jodidamente difícil que, de toda la gente que conseguía pasar ese filtro, algunos eran realmente buenos... No todos, claro (risas). Pero también estaba el problema de que era un sistema dominado por las modas. Como me dijo David Lee Roth una vez: “Hoy estoy aquí, pero más adelante ya veremos”. Así que, si sigues una tendencia, puedes estar seguro de que desaparecerás en cuanto ya no exista esa puta moda. No debes hacerlo así, pero es que, si no lo haces así, es extremadamente duro. Al final, la longevidad es lo más difícil de este negocio. Hay bandas y artistas que en algún momento tuvieron discos número uno y que ahora nadie sabe siquiera quiénes eran. Así que supongo que es una combinación del propio sistema, y quizá también de que el propósito genuino de todo aquello no era tan genuino, (risas), si entiendes lo que quiero decir”.

Seguimos en la charla, pero volvemos a enfocarnos en la actualidad y el propio álbum. Pero sin dejar de reflexionar de manera interesante sobre todas estas cuestiones.

“No sé, simplemente digo que hay muchos aspectos diferentes en todo esto, pero yo dejé toda esa mierda atrás hace muchos años. Si algo no me resulta emocionante, no lo hago, sin más. No intento impresionar a nadie, no intento hacer discos para nadie, sino que estoy haciendo algo que siento que forma parte de mi lado artístico y de lo que quiero expresar. En fin, a lo que iba… tú me preguntabas por este disco, por cómo se hizo y todo eso, y eso va de la mano con lo que estaba intentando explicar. Durante muchos años ya, si se me ocurre algo que me resulta emocionante, simplemente construyo a partir de ahí, ya sabes. Pero no intento hacer nada especial, ni pienso: “¡Ah, sí!, ahora voy a hacerlo de esta manera, y luego voy a hacerlo de la otra”. No, no lo hago así y nunca lo he hecho así. Para bien o para mal, es algo muy honesto y personal”.

Comentamos el punto cien por cien neoclásico del disco y a la vez el deje hardrockero que tiene y que nos recuerda a esos años de la segunda mitad de los 80 y primeros 90 donde precisamente este sonido tiene más preponderancia en LPs como ‘Eclipse’ y ‘Odissey’, sin dejar de mentar el hecho de que cada vez se le nota más cómodo cantando, lo que él mismo confirma. Y añade algunas especificaciones musicales y técnicas interesantes.

“Mi bemol no es necesariamente mi tonalidad favorita para cantar, sino que me gusta más en Do sostenido. Pero en “(On the) Battlefield” me salió de manera muy natural, y me siento muy cómodo con esa canción, está guay. Luego en “Eye for an Eye” utilizo Mi frigio (“E Phrygian” en inglés), que es diferente. Es una tonalidad similar, pero utiliza una escala distinta”.

Una de las canciones más especiales del álbum es “’Father”, por razones obvias. Está dedicada a su padre, que murió hace algunos meses. Le damos el pésame y decimos que la canción es un precioso tributo a la memoria de un ser querido fallecido.

“Sí, la mejor manera de homenajear a mi padre era haciéndole una canción, claro. De hecho, todo el disco está dedicado a él, pero esa canción obviamente es la que lo representa sin tener que decir nada más. Y quería que fuera un tributo, no solo un recuerdo triste, ya sabes”.

Pasamos a comentar que algunos de los grandes héroes de la guitarra o ya no están entre nosotros, como Hendrix o Eddie Van Halen, o tienen sus facultades y habilidades más mermadas en la actualidad. Nombramos desde uno de sus maestros como Richie Blackmore, u otros nombres importantes como Richie Sambora (Bon Jovi) o Glenn Tipton (Judas Priest), que por diferentes motivos ya no pueden estar a su nivel. Le preguntamos directamente si no le da miedo en algún momento perder su magia.

“No pienso en eso, la verdad. Yo siempre he sido, ¿cómo expresarlo?... Digamos que siempre he estado muy comprometido con mantener un cierto nivel, ¿sabes? Un nivel que nunca estaría dispuesto a comprometer. Y no me permitiría a mí mismo rebajarlo, que eso también es una parte de la cuestión. Luego, por supuesto, también me cuido muchísimo, que a día de hoy soy una persona saludable. Ya sabes, no tengo ninguno de los viejos hábitos del rock ni nada por el estilo. Nada de eso en la actualidad”.

Asentimos, y le decimos que efectivamente otros como Satriani, Vai o él mismo siguen de dulce y, cada uno a su manera, siguen sin cambiar mucho su estilo, personalidad e incluso estética y actitud.

“Sí, yo me siento muy bien, así que ya te digo que no pienso de ese modo. No pienso en esos términos me refiero, pero creo que todo depende de cómo lo afrontes. No es tanto que necesariamente tenga que ser siempre de una determinada manera. Lo que sea vendrá, ¿sabes lo que quiero decir? No es como que, por tener cierta edad, ya no va a ser como antes o lo que sea. Al menos yo no me creo eso ni por un segundo. Mira, hay tipos como Keith Richards y Mick Jagger que siguen ahí. Y luego tienes a Hendrix, que murió después de solo tres años, así que creo que no es algo que esté establecido de antemano. No es como: “Ha llegado ese momento, ahora toca esto”. No creo en eso, al menos no a nivel personal. Pero, como decía, ni siquiera tienes necesariamente que pensar demasiado en ello. Al menos yo no lo hago”.

Pasamos a hablar de otra cuestión relevante de su carrera y de la de muchos músicos que tuvieron que pasar por la compleja década de los 90 y sacar la cabeza con álbumes muy buenos en una época con el interés en otros estilos. Yngwie, al igual que Doro, Dio, Saxon o Manowar, fue otro de esos ejemplos que salvaron la compleja década de manera digna para el hard rock y el heavy clásico. Eso sí, él mismo se va más atrás para la explicación de su caso particular.

“Yo puedo darte una perspectiva un poco diferente sobre eso, porque llevo haciendo esto muchísimo tiempo ya, (risas). Llevo haciéndolo tantísimo tiempo que recuerdo cuando apareció la primera ola del punk, ¡y aquello fue brutal! Fue de la noche a la mañana, pero de repente si no sonabas como Sex Pistols o The Clash estabas pasado de moda, ¡estabas acabado! Y yo ya estaba… ¡Dios! Tendría 13 años o así, pero llevaba muy metido en la música desde que tenía ocho o nueve años. En realidad, empecé a tocar de manera más o menos seria con siete años, pero cuando tenía nueve ya había montado alguna banda. Tenía a gente de veintitantos años tocando conmigo, apoyándome… Es una puta locura, ya lo sé, pero es que tenía una visión y una percepción de la música muy fuerte desde pequeño.

Recuerdo escuchar ‘Selling England by the Pound’, de Genesis, en 1974, cuando salió. Yo tenía como diez años, y bandas como esas, cuando llegó la ola del punk, simplemente murieron por completo, ¿sabes? Entonces, cuando volvió a pasar algo parecido en 1990, para mí no fue realmente… fue más como un déjà vu, ¿sabes? Me importó una mierda la primera vez, aunque era un crío, pero tampoco me importó una mierda la segunda. De todas formas, es que yo nunca estuve metido en las modas, así que, si estoy aquí haciendo esto, voy a hacer mi música. Quiero decir que no voy a seguir ninguna tendencia ni entonces ni ahora”.

Acepto sin duda su argumento, pero a la vez insisto en que discos como ‘The Seventh Sign’, ‘Magnus Opus’ o el gran ‘Facing the Animal’ siguen siendo increíbles 30 años después. Y que grupos como los mentados, y él mismo, fueron muy importantes para mantener el rock duro y el heavy metal vivo esos años. ¡Y nosotros seguimos reivindicando los 90 en este sentido!

“Sí, eso es verdad. Yo también lo veo así, pero creo que es el resultado de simplemente negarte a seguir las modas. Siempre hay un público para… llámalo “la buena música”, si quieres, pero que sea música honesta, ¿sabes? Así que en los 90 yo podía ser cabeza de cartel en el Budokan de Japón y tocar en sitios grandes de Sudamérica. ¡En los 90! Y todo era porque todo el tema del punk y rock alternativo y del grunge realmente no estaba despegando en esos sitios. Era algo más americano, ¿sabes? Al menos para empezar.

También pasó un poco en Europa, pero no tanto quizás. Creo que allí fue menos, pero en EEUU fue bastante jodido, tengo que decirlo. Porque fue… esto te va a hacer gracia. ¿Sabes qué empezó a cambiar los gustos musicales en Estados Unidos? Te tienes que reír con esto, pero es que fue así... Recuerdo que hice una gira con Steve Vai y Joe Satriani ese mismo año (NDR: en modo G3). Y luego sacaron un videojuego llamado “Guitar Hero”. Y claro, toda la música que aparecía en ese juego eran canciones conocidas de los 80 y 70. Es decir, muchos chavales escucharon toda esa música por primera vez y entonces dijeron: “¡Esto es mejor que lo que estamos escuchando ahora!”.

Ya sé que suena estúpido, pero creo que tuvo un impacto bastante grande en ese cambio, en ese giro, y fue como un gran resurgimiento. Ya es algo más adelante, ok, pero de repente tenían incluso un programa de televisión en Estados Unidos llamado That Metal Show (ndr: auspiciado por Eddie Trunk y por donde han pasado todos los grandes nombres del rock y el metal) y todo eso, ¿sabes? Quiero decir que todo empezó a pasar de nuevo a partir de ahí. Todo es cíclico, pero, por lo que a mí respecta, yo no sigo ni los ciclos ni las modas de nadie. Siempre he marcado mi propio camino, y no me importa que otros me sigan a mí si quieren, y les doy las gracias… ¡pero yo no voy a seguirles a ellos! (Risas)”.

En la última parte de la conversación hablamos ya de manera más personal de los comienzos de Yngwie en la música, siendo muy niño.

“Supongo que estaba destinado a ser músico, porque es que era así… lo llevaba dentro con tanta fuerza que tenía que salir. Y lo jodidamente curioso es que empezó desde el primer día que empecé a tocar la guitarra. Cuando tenía cinco años me regalaron mi primer instrumento, y al principio no me interesó tanto, pero ya cuando tenía siete años, y sobre todo después de ver en la televisión a Hendrix quemando su guitarra, empujándola contra los Marshall… ¡Eso fue todo! Ahí se acabó la duda y ya nada iba a hacerme cambiar de opinión.

Después hubo otros detalles decisivos, como cuando empecé a escuchar a Bach, o a Niccolò Paganini, que me pasó lo mismo. Fueron momentos muy importantes, pero no fue solo uno, hubo varios. Es lo que te digo, para mí, mi destino ya estaba decidido. No había vuelta de hoja, y eso era lo que iba a hacer, pasara lo que pasara, y me mudara a USA o no. De hecho, al final sí me mudé a Estados Unidos, y supongo que eso aceleró algunas cosas, pero habría sucedido de todas formas”.

Volvemos a la actualidad y comentamos sobre la próxima gira del músico, y cómo serán los conciertos de presentación, ya en 2027, de este nuevo disco de Yngwie Malmsteen. Aparte de los conciertos en China y Japón (con orquesta), que tuvieron lugar hace unas semanas. (NDR: Recordemos que la entrevista se hizo a mediados de septiembre).

“Por lo que sé ahora mismo, porque acabamos de cambiar de agencia, la semana que viene viajo a China. Voy a tocar en Pekín y Shanghái, y después me voy a Tokio para hacer un concierto de rock, y luego a Yokohama para tocar mi concerto suite con la Grand Philharmonic de Japón. Es la primera vez en 25 años, ¡va a ser una auténtica locura! Y ahora mismo estamos cerrando una gira por Estados Unidos que será más o menos alrededor del lanzamiento, y luego el año que viene será… Bueno, estaremos tocando por todo el mundo, básicamente… ¡Nadie se escapará! (Ndr: Lo dice con voz profunda y divertida para rematar)”.

Como me gusta hacer cuando tengo la oportunidad y el honor de charlar de tú a tú con una de las verdaderas leyendas de nuestra música, terminamos la entrevista dándole las gracias sinceras por su carrera y todo lo que ha aportado al mundo del rock y el heavy metal. Como periodista y como seguidor, no dejo pasar la oportunidad de hacerle la reverencia virtual al artista al final. Que estamos hablando con Yngwie Malmsteen, ¡poca broma!

“¡Gracias!, el placer y el honor es mío. Muchas gracias por tus palabras y por vuestro interés. ¡Nos veremos en España la próxima vez!”.

Yngwie Malmsteen es uno de los grandes protagonistas en el número 486 de La Heavy, en el que Sôber se ha hecho con la portada acompañados por Nickelback, Queens of th eStone Age, Bullet For My Valentine y Warcry. Tampoco te pierdas los contenidos especiales sobre U2, System of a Down o Iron Maiden... y muchos más. Corre a tu kiosco o visita nuestra tienda online para no perderte nada.

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David Esquitino

Más de 20 años de radio y presencia como periodista todoterreno en los principales medios duros le avalan. David Esquitino es un clásico del rock y el heavy metal en nuestro país, tanto a nivel de las ondas como de medios digitales y prensa escrita, sin olvidar su faceta como escritor, estudioso y analista de la historia de la música dura tanto nacional como internacional. Todo ello al servicio de MariskalRock.com de la mano de “¿Hay alguien ahí?”, prescribiendo Heavy Rock para todos ustedes: analizando la actualidad, repasando la historia de nuestra música favorita y entrevistando a sus protagonistas.

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