Liderados desde siempre por el guitarrista y compositor Robin Staps, los germanos The Ocean editan en pocos días su espectacular nuevo trabajo, ‘Solaris’. Además, encabezan (junto a Soen) la nueva edición del festival Be Prog! My Friend (entradas a la venta en este enlace), que tendrá lugar los días 25 y 26 de septiembre en La Carpa del Poble Espanyol, en Barcelona. Aprovechamos para hablar de ambas cosas, además de la propia actualidad del particular grupo de metal progresivo, en esta interesante entrevista.
Nueva era para el grupo, con cambios en la formación y nuevos horizontes que explorar… Comenzamos la entrevista hablando con Robin de todo ello.
“Sí, efectivamente. Es un nuevo capítulo, un nuevo comienzo en muchos sentidos. Y resulta muy emocionante poder embarcarnos en este nuevo viaje con gente nueva. Además, ha sido un auténtico placer trabajar en este álbum prácticamente durante todo el año pasado. Y ahora ya nos estamos preparando para empezar a tocar en directo y salir de gira presentándolo. Tuvimos el Pelagic Fest (en Holanda) hace nada, y el Be Prog! en Barcelona está a la vuelta de la esquina. Y después tenemos un festival en India en octubre y un par de giras bastante seguidas en diciembre y enero. Así que estamos justo al principio de todo esto y con muchas ganas de dar este siguiente paso en el viaje”.
Por si alguien no conoce a The Ocean, una banda particular dentro del rock progresivo, dejamos que el propio protagonista matice su propuesta sonora.
“Yo no escribo música pensando en un género específico ni sigo un conjunto de reglas concretas, simplemente compongo lo que me viene a la cabeza, y todo está permitido en el “universo Ocean”. Y creo que ese es uno de los grandes privilegios que tenemos después de haber hecho doce álbumes ya. Eso nos da una libertad artística enorme, y realmente lo agradezco, porque no siempre ha sido así. Recuerdo que nuestro primer disco era instrumental, y luego introdujimos voces más contundentes con ‘Fluxion’ (2004), y todo el mundo decía: “¿Qué coño es esto?” (Risas).
Y cuando Loïc (Rossetti), nuestro anterior cantante, se unió a la banda en 2010, a mucha gente no le gustaban las voces, pero después acabó encantándole a todo el mundo. Así que creo que nuestros oyentes están acostumbrados a que hagamos algo diferente casi con cada disco, algo que trascienda las definiciones y fronteras de los géneros más estrictos. Para mí, si algo tiene sentido musicalmente, da igual de qué género venga o qué influencia lo haya inspirado: si encaja, está en el sitio adecuado. Y creo que eso es algo que nos tomamos muy en serio, el permitirnos hacer cualquier cosa que nos parezca que funciona”.
Entre el prog clásico y el post-metal encontramos un punto intermedio, aunque también siguen siendo un verso libre.
“Hemos ido llevando esos límites un poco más allá con cada disco, incorporando elementos que quizá no son tan habituales en la escena del metal. Por ejemplo, ‘Holocene’ (2023), nuestro trabajo anterior, estaba cargado de trombones, y a mí me encanta ese instrumento. Tiene un sonido precioso, oscuro, sombrío, que encaja muy bien con las guitarras pesadas, ¿sabes? Pero no es algo que encuentres muy a menudo en el metal. Y cuando le mencionas esto a la gente, a veces piensan que entonces sonará a ska, pero obviamente no es así. Nosotros no seguimos ningún género concreto, y preferimos dejar que sea la gente, o los periodistas en este caso, los que toméis vuestras definiciones”.
Es inevitable que nos cuente algo sobre las variadas influencias del grupo, tanto de rock progresivo como de bandas de metal. Eso sí, nos sorprende con la respuesta (al menos en parte).
“La música progresiva ha sido parte de todo esto, pero básicamente entré en el metal a través del hardcore. De hecho, crecí en esa escena de los 90, que ya era bastante prog en aquel momento, al menos experimentando y mezclando influencias de muchos sitios diferentes. Por ejemplo, Neurosis ha sido muy importante para mí, pero también Breach, Refused, Botch, Coalesce y todas esas bandas de hardcore de los 90 del sello Hydra Head. Swans, especialmente ‘Soundtracks for the Blind’, fue un disco importante. También The Melvins, por supuesto, pero diría que Sick Of It All fue la banda que me introdujo en el hardcore cuando tenía unos 13 o 14 años. Esa energía, ese sentimiento de unidad y de cuidar los unos de los otros, combinado con unos directos realmente agresivos, fue algo que me llamó muchísimo la atención.
Así que el metal y hardcore fueron una parte muy importante de mi juventud, pero al mismo tiempo empecé a escuchar King Crimson y Pink Floyd. Mi padre también escuchaba Pink Floyd, así que siempre estuve expuesto a los orígenes de la música progresiva. Todo eso fue creciendo a la vez y acabó confluyendo: el hardcore, el metal… pero también escuchaba Massive Attack, Portishead y mucha electrónica de los 90”.
Tirando del hilo, nos confirma que para él la música no se puede cerrar a cajones estancos, ni siquiera ceñirse solo la parte de tocar o componer.
“En realidad, siempre he tenido unos gustos musicales muy variados; nunca he sido demasiado cerrado y entiendo la música como un todo. Es decir, para mí, un disco es una obra de arte en su conjunto. La música es, obviamente, lo más importante, pero también están el diseño, formato, envoltorio… Y cuando una banda toca en directo, también cuenta cómo se presenta visualmente: las luces, los colores y todo lo demás. Siempre me ha interesado cuidar todos esos aspectos para crear algo único y especial que refleje mi visión de lo que quiero hacer”.
Preguntamos ya por la base del nuevo álbum, estableciendo un punto de partida para hablar de ‘Solaris’.
“Bueno, las canciones principales las compuse yo mismo ya en 2021, así que el material de base es antiguo y no ha cambiado demasiado desde entonces. Digamos que grabé aquellas demos inicialmente y después nos centramos ya en ‘Holocene’. Luego estuvimos de gira con ese disco, y el material que ahora ya es ‘Solaris’ quedó entonces guardado en un cajón hasta que el año pasado volvimos a sacarlo y empezamos a pulir las canciones”.
Retomamos el punto de los cambios de personal en la banda, además de felicitarle por el buen resultado de los nuevos músicos tras escuchar el álbum.
“Con la gente nueva todo se transformó bastante, por supuesto, sobre todo las voces. Pero también Manu (Enmanuel Jessua) y Marco (Gennaro), a las guitarras, aportaron un montón de partes nuevas muy chulas que antes no estaban. Eso sí, las estructuras básicas de las canciones no cambiaron demasiado, pues ya estaban ahí. Y creo que eso hace que sea un poco más fácil trabajar con gente diferente, porque hay un compositor principal —que siempre he sido yo en esta banda— y a partir de ahí cada uno coge las canciones, las desarrolla y las amplía con sus propias ideas.
Así que, básicamente, la música ya está compuesta y luego cada músico la lleva en distintas direcciones. Eso es lo que hicimos el año pasado: cogimos este material bastante antiguo e intentamos que sonara fresco y actual, añadiendo cosas nuevas. Una cosa lleva a la otra, y fuimos añadiendo más guitarras, voces, un montón de teclados… Y cada elemento nuevo le daba una dirección diferente y hacía que surgieran nuevas ideas alrededor.
Es un proceso continuo, como ir colocando capas, poniendo un ladrillo encima de otro. Y al final tienes un edificio, lo miras y piensas: “¡Guau!, no tengo ni idea de dónde ha salido todo esto”. Pero se construyó así, poco a poco, que al final es un trabajo de arquitectura. Es como… arquitectura del sonido, sí”.
El concepto de ‘Solaris’ es bastante particular, basado en un filme ruso de los 70, como nos cuenta Robin.
“Sí, exacto. “Solaris” es el título de una película de Andréi Tarkovsky, de quien soy muy fan. Ya hicimos otro disco basado en una película suya, ‘Pelagial’, que salió en 2013 y estaba inspirado en “Stalker”, de 1979. En la película, Solaris es un planeta cubierto por un océano inteligente que manipula e influye en la mente de quienes se acercan a él, enfrentándolos a recuerdos de sus vidas pasadas en La Tierra, pero también alucinaciones. Así que, muchas veces no saben si lo que están viviendo es real o una ilusión. Es una película muy profunda y psicológica, con un ritmo lento pero precioso. ¡Ya no se hacen películas así!
Tarkovsky es un maestro de un lenguaje visual muy particular que siempre me ha encantado, y creo que conecta muy bien con nuestra música, que también necesita su tiempo. Tienes que dejarte llevar y darle tiempo para que se desarrolle por completo. Y con sus películas pasa lo mismo. Llevaba mucho tiempo queriendo hacer un disco basado en “Solaris”. Y, obviamente, siendo una banda llamada The Ocean, tiene todo el sentido hacer un disco sobre un océano que es, en realidad, una forma de inteligencia extraterrestre”.
Seguimos tirando del hilo para entender mejor el nuevo álbum de The Ocean. Concretamente, el disco se enlaza con el anterior, ‘Holocene’, a partir del último tema de ese álbum, “Subatlantic”.
“Aborda la historia de un grupo de humanos que abandonan La Tierra para vivir en el espacio, y de alguna manera es de donde se parte aquí, conectando ambos trabajos. Así, cuenta la historia de un viaje a bordo de una especie de nave de rescate cósmica que se dirige hacia Solaris para encontrar o construir un nuevo lugar donde vivir. Esa es la trama que cuenta el disco, con muchas referencias a exploradores de La Tierra de los siglos XVI, XVII y XVIII, como Vasco da Gama, Magallanes o Sir Francis Drake.
Todos ellos eran europeos que partieron para descubrir territorios que por aquel entonces no habían sido explorados, como Sudamérica o la Patagonia. De hecho, “Ultima Esperanza”, el tema que cierra el disco, hace referencia precisamente a un lugar del sur de Chile, en la Patagonia. Pero muchas de estas historias acabaron de la misma manera: la gente partía con motivos muy nobles, intentando descubrir nuevos lugares, pero normalmente todo terminaba en imperialismo cultural, genocidio y represión de minorías”.
¿Y cómo se conecta esto, si es que lo hace, con la realidad actual? También nos lo cuenta.
“Aborda todo esto desde la perspectiva de los artistas y líderes políticos de hoy, que comparten con aquellos exploradores ese impulso de descubrir. Es un poco lo que hacemos los artistas, que somos curiosos y tenemos ese impulso de explorar. De hecho, la exploración y el arte son cosas muy positivas, y la curiosidad también. Pero nos preguntamos si esa curiosidad puede tener también una cara negativa, si puede acabar llevando a la represión, la violencia, el imperialismo cultural y todas esas cosas. Ese es, en definitiva, el marco del álbum. Es más, cada canción aborda una perspectiva o un tema diferente, pero siempre dentro de ese mismo contexto”.
Curiosamente, este disco se abre y cierra con unos puntos cardinales, que no es casualidad, grabados además a modo de intro y outro con una celesta (un instrumento musical de percusión con teclado), que hace empezar y acabar (casi) de la misma manera.
“Si escuchas el disco en bucle, sería un bucle continuo, pues no sabes dónde empieza ni dónde termina. Era la idea que queríamos transmitir: que es un álbum que debería escucharse de principio a fin, en círculo, donde el principio y el final realmente no importan porque es un recorrido circular.
Las coordenadas del primer tema son las de Berlín, nuestro lugar de grabación. Allí comenzó todo, donde compusimos y grabamos el material. Y las coordenadas del último tema corresponden a la provincia de Última Esperanza, en la Patagonia y al sur de Chile, como te decía antes. Ese lugar fue descubierto por un explorador español que le dio ese nombre porque estaban buscando un paso hacia el estrecho de Magallanes. Ellos esperaban que aquel descubrimiento les proporcionara ese paso, pero resultó ser un callejón sin salida que termina en un glaciar. Así que es una especie de metáfora de la esperanza inicial y de la esperanza perdida, de esa “última esperanza”, que es también el tema central de esa canción”.
Destacamos alguna de las otras canciones, como “Simulacra” o “Belligerence”, que son majestuosas. Además de estas, Robin destaca la mentada “Ultima Esperanza” o “The Milk of My Dreams” como sus favoritas, además del tema electrónico.
“Será todo un reto hacerla en directo por su psicodelia y el punto prog que tiene pese a todo”.
Nos centramos ya en la visita próxima del grupo al festival Be Prog! en unos días, uno de los más exquisitos y reputados del estilo. The Ocean están encantados de venir, siendo además uno de los nombres destacados del cartel.
“Sí, claro. Además, coincide con la salida de nuestro disco, así que será como una especie de fiesta de presentación del álbum, aunque no oficial. Tengo muchas ganas porque solo he oído cosas buenas del festival y tiene un cartel increíble, con un montón de bandas interesantes. Siempre hacen una selección muy cuidada de las bandas que participan, así que es genial y todo un honor formar parte, ¡y además ser cabezas de cartel!”
¡Además ahora tienen un batería catalán, Jordi Farrés!
“Barcelona siempre es un buen sitio para tocar, ¿sabes? Es una ciudad a la que siempre estamos deseando volver… España, en general, siempre nos ha recibido con los brazos abiertos y los conciertos han sido realmente buenos, uno de los momentos destacados de nuestras giras. Así que estamos deseando volver para este festival y también regresar con algunos conciertos más en salas en 2027 que ya estamos preparando”.
Preguntamos, para terminar, por cómo será este concierto y qué veremos en el Be Prog! en unos días.
“Estamos deseando llevar el disco de gira. Probablemente no lo tocaremos entero, aunque todavía no lo hemos decidido del todo, pero por supuesto el protagonismo estará en el material de ‘Solaris’. También tenemos ganas de recuperar algunos cortes antiguos, quizá canciones que llevamos mucho tiempo sin tocar. Porque empezar con esta nueva formación también nos da la oportunidad de reinterpretar algunos temas antiguos y darles un enfoque diferente con la nueva gente, y creo que eso puede ser muy interesante”.
Cerramos dándonos las gracias mutuas por la charla, y emplazándonos para el festival.
“¡Allí nos vemos!”.
Escucha a The Ocean en Spotify:
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