El 24 de diciembre de 2025 salió un EP muy personal de los tinerfeños Taco Sal, abordando la partida de alguien cercano a la banda. Todo ello bajo el íntimo título de ‘Allí te esperaré’, un trabajo que contiene tanto el tema que le da título como su trilogía de canciones denominada “Respirar”, que sirve como base del que es el segundo lanzamiento del grupo. David Esquitino se pone en contacto con Moisés Albertos, cantante, guitarrista y principal compositor del conjunto, que ejerce como avezado interlocutor de los canarios en esta interesante entrevista que ya podéis leer a continuación.
Tras vuestra ‘Adicción Natural’ de 2021, llegamos en 2026 a ‘Allí te esperaré’. ¿Qué ha ocurrido en estos 5 años entre ambos trabajos? O, dicho de otro modo, ¿por qué cinco años entre ambos?
“Podría afirmar que entre nuestro primer EP 'Adicción Natural', presentado en 2021, y 'Allí te esperaré' que acabamos de presentar y cuyo videoclip sale el próximo 14 de febrero, no ha existido un vacío creativo, sino un proceso profundo y deliberado de evolución artística… o al menos así nos gusta denominarlo. Durante estos cinco años la banda ha desarrollado la trilogía “Respirar”, concebida como un proyecto unitario en el que cada tema forma parte de un discurso más amplio.
No hablamos solo de canciones, sino de una propuesta donde música, narrativa y lenguaje visual avanzan de manera conjunta. Así, cada lanzamiento ha estado acompañado de su propio videoclip, reforzando el mensaje y el aspecto más emocional de cada tema. No obstante, hemos de comentar también que entre el primer EP y la trilogía 'Respirar', existen al menos ocho temas más que aún están por grabar, pero todo a su tiempo”.
El EP gira en torno a “Allí te esperaré”, una canción dedicada como homenaje al hermano del guitarrista del grupo, que falleció en 2023. Intenso y profundo, ¿qué nos puedes decir de este homenaje que le dedicáis a Michael “Miki” Dehmer?
“Efectivamente, “Allí te esperaré” surge como un homenaje musical a Miki pero sin perder un ápice del estilo que entendemos, nos caracteriza y que tanto le gustaba a él. Es un tema especial y singular, que no obedece a la urgencia del mercado ni a un calendario prefijado, sino a la necesidad de expresar una historia cuando estaba preparada para ser compartida”.
Siempre he sido curioso con los nombres y las portadas de los discos. Coméntame si hay algo más para explicar del título del EP, primero… Tiene que ver, supongo, con la frase de "La vida que fue y la que será…" ¿no?
“La idea de “la vida que fue y la que será” no aparece por azar. De hecho, es la última frase del segundo tema de la trilogía “Respirar”, y funciona casi como una bisagra emocional dentro del EP. Ahí se condensa el sentido del viaje: aceptar lo vivido y al mismo tiempo, abrirse a lo que aún está por venir. Habla de la suerte, buena o mala, de las circunstancias que no siempre elegimos pero que, sea como sea, hay que vivirlas, asumirlas y cargarlas”.
Enlazado con lo anterior, coméntanos ahora sobre la portada, con ese viaje interior que se intuye viendo la ilustración.
“Forma parte del mismo relato: entender que el camino no es lineal ni justo es profundamente humano, y es real. El tren representa la vida en movimiento constante, y la vía es el hilo que hay que coger, ese trayecto compartido que todos seguimos para que nos lleve a algún tipo de final”.
EP grabado en Tenerife, pero masterizado entre Reino Unido (en los más que prestigiosos Abbey Road Studios) y EEUU (en los también reputados London Bridge de Seattle, por un productor muy conocido de la escena grunge). ¿Cómo ha sido la experiencia? ¿Y el resultado?
“La experiencia ha sido tan intensa como enriquecedora. Grabar el EP en Tenerife era algo irrenunciable para nosotros: es nuestro punto de partida, el lugar desde el que nace todo y donde las canciones toman forma con honestidad y cercanía. A partir de ahí, llevar el material a procesos de masterización internacionales fue una decisión consciente, pensada para darle al proyecto la profundidad y el alcance sonoro que pedía.
Trabajar con Abbey Road Studios ha sido un auténtico privilegio. No solo por lo que representan a nivel histórico, sino por el respeto absoluto al material original y la precisión con la que han sabido potenciar cada matiz. En paralelo, el paso por London Bridge Studios, en Seattle, con un productor clave de la escena grunge, aportó carácter, músculo y una identidad muy reconocible, especialmente en lo que a texturas y dinámica implica.
Además, existe un componente emocional muy fuerte: admiramos profundamente el sonido de las bandas que han pasado por ese estudio, y formar parte, aunque sea de manera indirecta, de esa herencia impone respeto e inspiración. Hablamos de un lugar ligado a discos y artistas fundamentales como Pearl Jam, Soundgarden, Alice in Chains o Mother Love Bone, referencias que han marcado una forma de entender el rock”.
Tenemos tres piezas de "Respirar": ¿Es una trilogía de 3 canciones con un concepto común, o un tema largo dividido en tres partes? Cuéntanos sobre por qué exponer así este concepto, y qué representa cada una de las partes de la misma.
“Son tres canciones unidas por un mismo concepto. Una trilogía de piezas autónomas pero que se conectan entre sí. Decidimos exponerlo así porque tras un suceso que acabó de la mejor manera, quisimos plasmarlo asemejándolo a un proceso, no a un instante. Dividirlo en tres partes nos permitía detenernos en cada momento, darle espacio emocional y musical a lo que queríamos contar. Y cada parte representa una etapa del viaje interior:
“Respirar I” es el impacto inicial, el accidente y el momento de toma de conciencia. Como cuando algo se rompe y comienzan los planteamientos interiores de lo que tengo, lo que pierdo y lo debería haber cambiado y no hice. “Respirar II” es introspectiva, más densa y lenta, donde aparecen la memoria, el descanso cerca del abandono, las preguntas y esa frase clave: “la vida que fue y la que será” que marca el punto de inflexión del relato. “Respirar III” es la salida, no necesariamente luminosa, pero sí honesta: Aceptación, continuidad y la voluntad de seguir adelante, aun sabiendo que el camino no es sencillo. Quizás dependiendo de quien la escuche y de su estado de ánimo podría ser victoria o resignación, o la cura”.
Siempre me parece interesante el punto de cómo los propios grupos definen su material, más allá de las etiquetas. En este caso podemos hablar de rock clásico, grunge o rock alternativo, algo de indie y pop rock… pero, ¿cómo os gusta definirlo a vosotros, o explicar a vuestra manera el sonido o el estilo de Taco Sal?
“Está claro que las etiquetas ayudan a situar, pero rara vez explican del todo lo que ocurre dentro de un estilo. Entendemos que en nuestro sonido conviven el rock clásico, el grunge, el rock alternativo, incluso elementos de indie, porque son músicas que hemos escuchado, vivido y que forman parte de nuestro ADN. Dicho esto, si tenemos que definirlo a nuestra manera, diríamos que Taco Sal hace “rock honesto”, jaja, sin demasiados filtros”.
Dicho esto, ¿cuáles son vuestras influencias principales y referentes básicos?
“Nuestras influencias son bastante claras y, al mismo tiempo, muy naturales. Venimos de escuchar mucho rock de los 90, especialmente todo lo que tiene que ver con la escena de Seattle: Pearl Jam, Soundgarden o Alice in Chains, pero también ha ejercido una clara influencia en nosotros la banda inglesa Muse. Todos han sido referentes evidentes, pero no solo por su sonido, sino por su manera de entender la música.
Más allá de nombres concretos, nos influyen las bandas con discurso, las que hacen música desde un lugar sincero y reconocible, sin perseguir modas. Esas son las referencias que, de una forma u otra, terminan filtrándose en el sonido y en la manera de componer de Taco Sal”.
Por cierto, el EP se lanzó en una edición muy especial en vinilo limitado. ¿Qué se siente cuando escuchas tu música en tu propio vinilo? Supongo que tiene que ser algo especial.
“Lo es, y mucho. Escuchar tu música en tu propio vinilo es algo difícil de explicar con palabras porque hay una mezcla de orgullo, respeto y cierta emoción íntima. El vinilo te obliga a parar, sentarte y escuchar, y eso encaja perfectamente con la filosofía del EP y con la forma en la que entendemos la música. No es solo un formato, es casi un ritual: Ver el arte, sacar el disco de la funda, colocar la aguja… todo ese proceso les da peso a las canciones y te recuerda por qué las hiciste. En una edición limitada, además, (con lo que) hay una sensación de cuidado y de detalle que valoramos mucho”.
Me llama la atención que la escena canaria tanto del rock como del metal sigue funcionando. Mi cabeza siempre me remite a los veteranos hardrockeros Krull o a los punkis Guerrilla Urbana, pero recientemente hemos conocido bandas de metal más duro tan interesantes como Obediencia Cero o los veteranos Esclavitud y Doctor Yao. A nivel de la escena más rockera general y de sonidos más cercanos a los vuestros, ¿qué nos cuentas de la misma?
“La escena canaria está más viva que nunca, y no solo en los nombres veteranos que mencionas como Krull o los laguneros Guerrilla Urbana que siguen siendo referentes no solo por su música, sino por la actitud y la energía que transmiten, que sigue inspirando a generaciones nuevas.
Nos gusta destacar que la escena no es homogénea, y precisamente ahí está su riqueza: coexisten estilos más duros como el metal de Obediencia Cero, Esclavitud o Doctor Yao, que mencionas, con proyectos más melódicos, introspectivos o experimentales dentro del rock alternativo e indie (como nosotros). Eso genera un ecosistema muy estimulante, donde puedes escuchar la crudeza, la melodía y la experimentación, a veces incluso en la misma noche de conciertos”.
Sobre la posibilidad de presentar el EP en directo, ¿qué novedades tenéis al respecto?
“Sí, estamos con muchas ganas de llevar el EP y el resto de temas a los escenarios, porque para nosotros la música se completa cuando se comparte en directo. En vivo la experiencia es totalmente distinta a escuchar el disco: las canciones adquieren otra dimensión, la energía se multiplica y se genera un diálogo directo con la gente. Nuestro objetivo es que quien nos vea en directo pueda sentir la historia viva de Taco Sal y disfrutar de un viaje continuo, donde cada canción conecta con la siguiente”.
De hecho, contadnos directamente de próximas presentaciones en vivo del grupo. ¿Tenéis algo previsto o cerrado a corto plazo?
“A corto plazo, estamos cerrando varias fechas en Tenerife, Las Palmas y fuera de la isla. No podemos dar todos los detalles todavía, pero sí podemos adelantar que queremos que la presentación sea una experiencia visual y sonora completa, donde los videoclips, la iluminación y la puesta en escena acompañen el viaje que proponemos en el EP”.
Terminamos aquí, chicos, muchas gracias por vuestro tiempo, y la última palabra para cerrar la entrevista es vuestra.
“Nos encantaría agradeceros de corazón a MariskalRock por la entrevista. Para nosotros supone un verdadero honor poder compartir nuestro trabajo y nuestra visión en un medio que valoramos tanto, y apreciar la cercanía y el respeto con el que se ha abordado cada pregunta. Ha sido un placer poder contar nuestra historia y hablar del EP, la trilogía “Respirar” y “Allí te esperaré” con tanto cuidado y entusiasmo. ¡Un millón de gracias!”.
Que no se pierda el legado y que juntos sigamos construyendo el camino. No puedes dejar el rock, y lo sabes… De lunes a jueves en MariskalRock Radio de 18:00 a 19:00, con repetición para los rezagados o nocturnos empedernidos a las 22:00. ¿Nos escuchamos juntos?
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