45º aniversario del ‘Dark Side Of The Moon’ de Pink Floyd: 15 curiosidades

1. Primeros roces con la industria

Dada la expectación que había generado el disco, a causa de haber sido tocado entero en directo muchas veces antes de que la banda entrara en el estudio (de hecho ya existía un bootleg de su concierto en febrero de 1972 en el Rainbow Theater con un diseño profesional que llegó a vender unas 100.000 copias), Harvest  decidió publicarlo. Lo hizo el 27 de febrero de 1973 en el Planetario de Londres, antes de que la mezcla cuadrafónica (la predecesora del Dolby-Surround) fuera completada. Pink Floyd mostró su rechazo a esta decisión al no hacer acto de presencia en el evento. En su lugar, la discográfica dispuso cuatro siluetas de cartón de los miembros del combo a tamaño natural. Aunque la presentación sonora se hizo de manera cutre a través de la megafonía del lugar, la prensa especializada se mostró entusiasmada en sus críticas posteriores. Además, la agrupación tampoco aprobaba la idea de realizar la presentación en un planetario, ya que habían decidido quitarse de encima la etiqueta del space rock para definirse como una banda que manufacturaba rock con una temática realista. Aquella decisión de la discográfica fue la gota que colmó el vaso de la paciencia del grupo, ya que las desavenencias con su sello habían sido constantes. Posteriormente, optaron por fichar con Columbia en EEUU. Este cambió provocó un buen repaso a su antiguo sello con el disco ‘Wish You Were Here’ (1975).

2. A veces el título lo es todo

Al principio, la banda dudaba si llamar al disco ‘Dark Side of the Moon: A Piece for Assorted Lunatics’ o ‘Eclipse’. Un grupo de blues rock, Medicine Head, había editado un disco titulado ‘Dark Side of the Moon’ en 1972 para Dandelion, el sello del legendario DJ de la BBC John Peel. Sin embargo, como no tuvo ninguna repercusión comercial o crítica, Pink Floyd optó por usar el mismo título.

3. Ansiedad protoelectrónica

“On the Run” fue el tema que más cambios sufrió a raíz de su versión en directo (con el título de “Travel Sequence”), ya que para la grabación quitaron la larga improvisación de David Gilmour, sobre la cual nunca se mostraron muy entusiasmados, y en su lugar usaron el sintetizador modular analógico EMS Synthi AKS, generando sonidos electrónicos agobiantes como representación de la agitada vida moderna. Trata del miedo de Roger Waters a viajar en avión. De hecho, en las giras posteriores, cuando lo tocaban, aparecía un modelo de avión que atravesaba los pabellones de punta a punta hasta desaparecer en medio de una explosión (para la gira del disco ‘A Momentary Lapse of Reason’  fue sustituido por una cama). En los años noventa, fue usado en los partidos de los Chicago Bulls cuando se presentaba al equipo visitante.

4. ¿Dónde estaríamos sin la música negra?

Según David Gilmour, Waters se inspiró para crear el tempo poco ortodoxo 7/8 de la primera parte de “Money”  en “Green Onions”, el clásico instrumental de los Booker T and the MGs. El blues, el soul y el jazz (en el caso de Wright) fueron las bases de la educación musical de Pink Floyd: “En mi banda anterior tocábamos temas de los Beatles, los Beach Boys, del sello Stax (Ndr: junto con Motown, el sello más importante de soul)… Ser niños bonitos blancos estudiantes de arquitectura haciendo funk era un poco raro… pero funcionó”, dijo Gilmour.

5. Un, dos, tres… responda otra vez

A Roger Waters se le ocurrió escribir unas tarjetas con varias preguntas, que oscilaban desde lo banal (“¿Cuál es tu color favorito?”) hasta lo serio (“¿Cuándo fue la última vez que te pusiste violento?”) y se las dio a gente que estaba en el estudio para que sus respuestas grabadas fueran usadas a lo largo del disco. Por ejemplo, es el portero de los Abbey Road Studios,  Gerry O'Driscoll, quien dice la inquietante frase que suena en “Eclipse”: "There's no dark side of the moon really. Matter of fact, it's all dark” (No hay lado oscuro en la Luna, en realidad toda la Luna es oscura) y  “I Never Said I Was Frightened of Dying… I don't mind. Why should I be frightened of dying? There's no reason for it you gotta go sometime” (Nunca dije que tuviese miedo de morir… no me importa. ¿Por qué debería tener miedo a morir? No hay razón, todos tenemos que irnos un día) en “The Great Gig in the Sky”.

Resulta que Paul McCartney  y su mujer Linda también fueron entrevistados, ya que estaban en Abbey Road grabando el disco ‘Red Rose Speedway’. Sin embargo, sus respuestas no fueron usadas ya que, según Waters, intentaron actuar y no sonaban naturales. Sin embargo, el guitarrista de los Wings, Henry McColluch (1943-2016), sí que suena en la parte final del “Money”, diciendo "I don't know I was really drunk at the time (no lo sé, estaba muy borracho en ese momento)” como respuesta a la pregunta de si tenía la razón la última vez que se puso violento. Aún así, Paul sigue estando presente en el disco, ya que si prestáis atención a la secuencia concreta donde habla O’Driscoll, por debajo de su voz suena de manera tenue una parte de la versión orquestal del  “Ticket to Ride” de los Beatles, que estaba sonando en otro estudio adyacente. Ese “fallo” se ha eliminado en las versiones remasterizadas posteriores. Sin embargo, la conexión con los Beatles no termina ahí, ya que aparte de contar con Parsons como ingeniero de sonido, quien había trabajado en los discos ‘Abbey Road’ y ‘Let It Be’, resulta que la mayor parte del disco se grabó en una vieja cinta de los Beatles, en la que probablemente habían grabado el disco ‘Help’, ya que en aquellos tiempos se utilizaban cintas de una pulgada que se re-utilizaban. Waters también grabó frases aleatorias como la de Roger "The Hat" Manifold (roadie), "Live for today, gone tomorrow. That's me (Vivir hoy, morir mañana. Así soy yo)” o la risa casi demencial de otro roadie, Peter Watts (padre de la famosa actriz Naomi Watts) en “Speak to Me” y “Brain Damage”. Tres años después, murió por una sobredosis de heroína. Tenía solo 30 años.

6. Violencia calma

“Us and Them” había sido ofrecido originalmente al director Michelangelo Antonioni (‘Blow Up’) para la banda sonora de su película ‘Zabriskie Point’ (1970). Aunque acabó usando tres temas de Pink Floyd en la película, rechazó este precisamente porque consideró que no encajaba con la atmosfera del largometraje, que iba sobre la contracultura: “Es bello pero triste. Me recuerda a iglesia”, le dijo a Waters. Curiosamente, la formación lo compuso como un instrumental para piano y bajo para que acompañara a una secuencia de violentas protestas estudiantiles y se llamaba originalmente “The Violent Sequence”.

7. Fans del circo volador

La banda era muy fan del programa televisivo de los Monty Python y de hecho, cuando se emitía en la tele, se paraban las sesiones y todos se pegaban en la tele. Lo mismo pasaba con Waters cuando se emitían los partidos de su equipo favorito, el Arsenal. Alan Parsons dijo que aprovechaba aquellos parones para proseguir por su cuenta con sus experimentos sonoros en el estudio. Parte del presupuesto de la película de los Monty Python, ‘Los caballeros de la mesa cuadrada y sus locos seguidores’ (1975) fue financiado por Pink Floyd, mientras que otra parte fue costeada por Led Zeppelin, Elton John y Genesis.

8. Estela plateada

Una de las propuestas presentadas por Storm Thorgenson y su equipo de diseño gráfico, Hipgnosis, para la portada del disco fue una que incluía a Silver Surfer, ya que todos en el equipo eran fans de Marvel. Sin embargo, la elección de la que posiblemente sea la portada más icónica de la historia del rock fue rápida y unánime, ya que Pink Floyd consideró que cumplía sus requisitos para un diseño simple pero dramático. El triangulo/prisma/pirámide representaba los temas tratados en las letras (ambición, avaricia, conflicto, locura, muerte), mientras que los colores que emanan del prisma representan el juego de luces que usaba la banda en directo. Para las fotos de las pirámides, Pink Floyd pagó un viaje a Thorgenson a Egipto para que las tomara in situ. El electrocardiograma en forma de espectro de colores en el interior del disco representa el latido del corazón oído al inicio y al final del disco y fue idea de Waters.

9. Alan Parsons

Aunque el combo británico, exceptuando Nick Mason, casi siempre restó importancia al papel de Alan Parsons a la hora de confeccionar el por entonces revolucionario sonido del disco, la verdad es que su papel fue fundamental a la hora de incorporar nuevas ideas. El sonido del latido del corazón fue el resultado de grabar el bombo de la batería y manipularlo posteriormente. El sonido de los relojes/alarma sonando fue grabado por Parsons en una tienda de antigüedades a unos 3 kilómetros de los estudios Abbey Road. El ingeniero pidió al propietario que parara todos los relojes y después los grabó cada uno por separado. Posteriormente, cortó las cintas con la grabación de cada reloj y las pegó cada una sobrepuesta un poco sobre la otra para crear el efecto de las alarmas sonando de manera consecutiva.

La intro de “Money”, por su parte, fue el resultado de las grabaciones que hicieron Waters y Mason en sus estudios caseros con monedas tintineantes, bolsas de monedas tiradas en un cuenco, papeles rasgados con una Revox B77, el sonido de una caja automática y la pericia de Parsons a la hora de unir los diferentes trozos de las cintas grabadas en trozos iguales medidos con una regla. La cinta con los efectos sonoros en bucle acabo midiendo unos siete metros. Para alimentar a la grabadora de bobina abierta tuvieron que tensar la cinta poniéndola entre dos pies de micrófono en ambos extremos. Aunque Parsons estuvo nominado por un Grammy en la categoría de la mejor grabación/arreglo no clásica, perdió ante el disco ‘Innervisions’ de Stevie Wonder. Aún así supuso el lanzamiento de su exitosa carrera con The Alan Parsons Project y, de hecho, tuvo que declinar la oferta de Pink Floyd para que trabajara con ellos en ‘Wish You Were Here’.

10. Quítame esas mezclas

Las primeras serias grietas en la relación de Waters y Gilmour hicieron acto de presencia en las sesiones de las mezclas, ya que Waters quería un sonido “seco”, mientras que Gilmour quería un sonido “grande, pantanoso y húmedo”. Según Gilmour, Waters había sido influenciado por el primer disco en solitario de John Lennon, ‘John Lennon/Plastic Ono Band’ (1970), y sus discusiones les llevaron a traer a una tercera persona para que hiciera las mezclas y para que fuera un “intermediario” entre ellos. De modo que trajeron a Chris Tomas (The Beatles, Queen, Roxy Music). Según Gilmour, le iban a dejar a solas con Parsons, pero se enteró de que Waters se fue al estudio a escondidas, así que el segundo día, Gilmour también fue y acabaron los dos presionando a Thomas: “Afortunadamente, Thomas se inclinó por mis ideas” sentenció Gilmour.

11. Que me pongo colorado

Aunque la gente cree que el título del instrumental “Any Colour You Like” proviene de Henry Ford y su comentario acerca del primer modelo de coche salido de una cadena de producción Ford T (“cualquier cliente puede tener el coche del color que quiera siempre y cuando sea negro”), Waters se inspiró en realidad en los vendedores callejeros en su Cambridge natal: “Venían desde Londres en furgonetas llenas de mercancía como cubertería o vajilla y lo vendían todo con su labia: “te los doy muy baratos y vienen en cualquier color, todo azul”. Así que, metafóricamente hablando, este corte  es sobre cómo, supuestamente, tenemos opciones en este vida cuando en realidad no tenemos ninguna… luz y oscuridad, el sol y la luna, el bien y el mal. Hacemos nuestra elección pero, en realidad, todo es azul”.

12. Los locos heredarán la tierra

“Brain Damage” trata la locura, algo sobre lo que la agrupación tenía experiencia de primera mano debido a los problemas mentales de su ex compañero Syd Barrett. Cuando Waters canta "And if the band you're in starts playing different tunes" (y si la banda empieza a tocar melodías diferentes) se refiere a los momentos cuando Barrett empezaba a tocar otra cosa totalmente diferente del resto del grupo en los conciertos debido a sus “viajes” con LSD. El verso "You raise the blade, you make the change" (levantas la cuchilla y haces el cambio) se refiere a la lobotomía.

13. Respira hondo y sigue adelante

“Breathe” trata sobre cómo un viejo advierte a un bebé sobre la vida difícil que le espera por delante: “Run, rabbit, run. Dig that hole, forget the sun” (corre, conejo, corre. Cava ese agujero, olvídate del sol). Su principal mensaje es hacer caso omiso a los que nos obligan a vivir una vida insípida y mecánica para seguir así a nuestros sueños.

14. Habladme

“Speak To Me” es la intro del disco y sirve como un adelanto de lo que se va a escuchar a lo largo del álbum. Es el único corte atribuido íntegramente a Nick Mason junto con “The Grand Vizier’s Garden Party” (‘Ummagumma’, 1969) en toda la discografía de Pink Floyd. Waters dijo con cierta sarna que darle todo el crédito era un regalo para Mason, algo que no contribuyó a que se aliviaran las tensiones en el seno de la banda. El título proviene del hecho de que a la hora de probar los micrófonos, Alan Parsons les decía desde la consola “habladme”.

15. Concierto celestial

Rick Wright compuso “The Great Gig in the Sky”, hablando sobre cómo la vida desciende hasta la muerte y allí comienza una segunda parte más agresiva, debido a nuestra negación a apagarnos pacíficamente. En su lugar nos agarramos como podemos a los últimos resquicios de vida. En sus versiones en directo antes de entrar en el estudio, era sólo tocado por el órgano mientras se recitaban versos de la Biblia. Al final, sustituyeron el órgano por un piano, pero aún no tenían claro qué hacer con la canción. Fue idea de Parsons traer a la vocalista Clare Torry al estudio, ya que había trabajado con ella anteriormente. La cantante accedió aunque ni conocía a la banda ni sabía qué era lo que querían de ella. En la primera toma empezó a decir cosas como “oh, baby” , pero enseguida le pararon los pies. Entonces a Torry se le ocurrió la idea de usar su voz como un instrumento más y empezó a improvisar. Nadie recuerda haber hecho más de dos tomas y en un par de horas la sesión había terminado. Torry estaba convencida de que a Pink Floyd no le había gustado lo que hizo y que no lo iban a usar en el disco por la falta de reacción por parte del grupo. Sin embargo, como buenos ingleses que son, no sabían cómo mostrar su asombro. La vocalista se olvidó del tema hasta que se enteró del éxito del disco y se dio cuenta de que sus honorarios se habían quedado muy cortos ya que fue ella la que había creado todas las partes vocales. En 2005, Torry reclamó derechos de autor, los cuales le fueron concedidos tras un acuerdo extrajudicial.

FUENTES:
Schaffner, Nicholas (1991), Saucerful of Secrets: The Pink Floyd Odyssey
Mason, Nick (2005), Philip Dodd, ed., Inside Out: A Personal History of Pink Floyd
www.rollingstone.com: Pink Floyd's 'Dark Side of the Moon': 10 Things You Didn't Know
www.houstonpress.com: 10 Fun Facts Only Floyd Freaks Know About Dark Side of the Moon
http://www.brain-damage.co.uk: 30 fascinating facts about DSOTM
YouTube: PINK FLOYD - The Dark Side Of The Moon 2003 Documentary

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