Día de la Mujer Trabajadora: Diez mujeres imprescindibles en la historia del rock
8 marzo, 2025 12:46 pm 1 Comentario
Courtney Love con Hole en Barcelona en 1995. Foto: Josep Fenollar.
Hoy, 8 de marzo, se celebra el Día de la Mujer Trabajadora. Con este texto, queremos honrar a las rockeras que han ido abriendo camino y resaltar las dificultades vitales que han encontrado para poder salir adelante y destacar con éxito. Escuchemos sus voces, sus denuncias y penurias. Por María Gala.
1. Billie Holiday: Strange Fruit
Conocida como Lady Day, ha sido coronada con el título de la mejor cantante del siglo. Esta diva ha sido la gran influencia de grandes como Joplin y ha creado un innegable legado musical tocando con Duke Ellington, Benny Goodman, Lester Young, que le puso el apodo, Count Basie y otros. Con Artie Shaw fue la primera artista de color cantando en una orquesta blanca.
Tuvo conflictos de todo tipo por su forma de cantar y su raza en tiempos difíciles, donde blancos y negros no se sentaban juntos en el autobús. Tuvo una vida difícil, hija de adolescentes, su padre las abandonó y se trasladaron a Nueva York donde la cosa no fue más fácil, terminando en un reformatorio católico tras ser violada a los diez años. Con 18 años fue descubierta por John Hammond, fichando ya para Columbia.
Dos años en el primer garito de audiencia mixta, el Café Society, la lanzaron al estrellato con “Strange Fruit”, canción basada en el poema sobre los brutales linchamientos de negros en el sur de Estados Unidos. Columbia no quiso publicarla por su controvertida letra, por lo que se la llevó a Commodore, convirtiéndose en su tema más famoso. Es una alhaja de su voz, presa del dolor, que sigue vigente a día de hoy, como después los hechos que originaron el reciente movimiento Black Lives Matter, las vidas de los negros importan, precipitado por el linchamiento del adolescente Trayvon Martin por un disparo de bala y el más reciente de George Floyd. Nina Simone la versionó haciendo honor a la Holiday.
“Los árboles del sur dan frutos extraños
Sangre en las hojas y sangre en la raíz
Cuerpos negros balanceándose en la brisa del sur
Extraña fruta colgando de los álamos”
(“Southern trees bear strange fruit
Blood on the leaves and blood at the root
Black bodies swinging in the southern breeze”)
La leyenda se marchó a los 44 años a manos de las drogas y el alcohol.
2. Ronnie Spector: She Talks to Rainbows
Veronica Yvette Bennett, más conocida por su nombre artístico Ronnie Spector, (Manhattan, Nueva York 1943-Danbury, Connecticut; 12 de enero de 2022) fue una cantante estadounidense, vocalista principal del girl group The Ronettes y exesposa del productor discográfico Phil Spector.
Las Ronnettes estaba formado por Ronnie, su hermana Estelle y su prima Nedra Talley, que al principio cantaban en el Bar Mitzbahs, luego en el Peppermint Lounge de Nueva York, donde alcanzaron cierta fama, siendo Estelle la que contactó con el famoso Spector para intentar llegar más lejos. Fue la rotunda negativa de los padres de las hermanas lo que obligó al productor a contratar al trío, a pesar de que solo había puesto el ojo en Ronnie. A los 25 años, Ronnie saltó a la fama en la élite del pop, atraía a los hombres con una sexualidad manifiesta y poseía una estética que haría escuela, Amy Winehouse es imposible sin ella. El maquillaje era recargado, los vestidos ceñidos y los peinados estratosféricos rompieron en esa época tan clásica de comienzos de los sesenta.
A partir de 1963 lanzaron temas tan famosos como “Be My Baby”, “Do I love you?” o “I Can Hear Music”, con la mano de Spector como productor y su muralla del sonido. The Ronnettes viajó a Inglaterra en 1964 para una gira con The Rolling Stones como teloneros. Ronnie ya había tenido un affaire con Richards en el primer viaje de los Stones a USA. Paralelamente, The Beatles marchaban a USA y en la fiesta de despedida invitaron al trío, momento en que Harrison sucumbió a los encantos de Estelle.
Su matrimonio con Phil Spector, el legendario productor muerto en la cárcel hace un año donde estaba recluido por asesinato, convirtió su vida en una pesadilla, ya que la separó de las Ronnettes. Tras un romance tumultuoso, se casaron en 1968 y Phil encerró a Ronnie en su mansión, donde la tuvo prisionera de su yo maniaco durante cuatro años hasta el divorcio en 1973 tras un largo calvario.
Como ejemplo, para el cumpleaños de Ronnie, Phil le regaló un Camaro. La cantante estaba feliz hasta que el marido agregó un maniquí. El muñeco era inflable e iba vestido simulando un copiloto. “¿No lo entiendes?”, explicó Phil. “Ahora nadie te mirará cuando conduzcas sola”. Este paréntesis mató al grupo y, aunque Ronnie intentó relanzarlo, tuvo poco éxito.
En solitario supo rodearse de grandes estrellas, como para el tema “Say Goodbye to Hollywood” (1976) escrita por Billy Joel. O el EP producido por Joey Ramone y Daniel Rey ‘She Talks to Rainbows’ (1999). Este disco incluye temas como “You Can´t Put Your Arms Around a Memory” de Thunders y “Don´t Worry Baby”, escrita por Brian Wilson especialmente para ella.
“She Talks to Rainbows” parece escrita para ella por un buen colega. Es un tema de los Ramones del disco ‘¡Adios amigos!’ (1995). Da título al EP del mismo nombre de Ronnie Spector editado en 1999 y producido por Joey Ramone.
“She's a little lost girl in her own little world” (Es una chica perdida en su mundo propio tan pequeño)
“She looks so happy but she seems so sad” (Parece tan feliz, pero parece tan triste)
Uno de sus últimos trabajos ‘The last of the Rock Stars’ incluyó colaboraciones con Ramones de nuevo, Richards y Patti Smith, entre otros. En 2007, Spector y las Ronettes fueron incluidas como grupo vocal en el Salón de la Fama del Rock and Roll y en 2016 publicó su último disco con temas nuevos. Una vida rica hasta que nos dejó a los 78 años a manos de un cáncer.
3. Joan Baez: We shall not be moved (No nos moverán)
Nacida en New York en 1941, fue la gran popularizadora y defensora de la canción protesta en la década crucial de los 60. Su padre había emigrado de México dos años antes de su nacimiento, cruzando la frontera de manera ilegal, y luchó duramente para conseguir la ciudadanía y sus plenos derechos. Baez nunca ha olvidado esos orígenes que la impulsaron a la defensa de los derechos humanos durante toda su vida y actuó como la conciencia moral de su generación, participando en marchas en favor de los derechos civiles para mujeres y el colectivo negro y en contra la guerra de Vietnam. A mediados de la década de los setenta centró su actividad en California, el nuevo centro de agitación del movimiento hippie.
En 1967, pasó 11 días en la cárcel tras ocupar con más gente una base militar para efectuar una sentada; durante esa estancia, conoció a David Harris, otro activista contra la guerra con quien se casó al cabo de un año, pero en 1973 se divorciaron amistosamente. En 1969, de hecho, Harris regresó a la cárcel durante casi un año y medio por declararse objetor de conciencia. No sabía que Joan se había quedado embarazada -actuó en un avanzado estado de gestación en el festival de Woodstock del verano de aquel año- y no conoció a su hijo, Gabriel, hasta después de salir de prisión.
Después de años de menos actividad, vuelve a componer a raíz de recuperar la necesidad de expresar nuevos pensamientos con el surgimiento de la figura política de Donald Trump. Volvió a participar en marchas y manifestaciones. Mantiene su idilio activista y es referente de nuevas generaciones del izquierdismo en Estados Unidos. Dijo adiós a los escenarios en el Teatro Real de Madrid en junio 2021.
“Sube a nacer conmigo, hermano
Dame la mano desde la profunda zona de tu dolor diseminado
No volverás del fondo de las rocas…Yo vengo a hablar por vuestra boca muerta
A través de la tierra juntad todos los silenciosos labios derramados
Unidos en la lucha, no nos moverán
Unidos en la lucha, no nos moverán
Como un árbol firme junto al rio
No nos moverán
No, no, no nos moverán! no, no, no nos moverán
Como un árbol firme junto al rio
No nos moverán”
4. Carole King: I Feel the Earth Move
King nació en Brooklyn (1942) y a la temprana edad de 4 años empezó a tocar el piano. A los 18 formó su primer cuarteto local, y con su primer marido Gerry Goffin, conocido al comienzo de sus estudios, formaron pareja creativa: ella la música, él las letras y, en breve, comenzarían también a producir y arreglar sus propios temas. Su primer hit fue “Will You Love Me Tomorrow”, popularizado por The Shirelles, cuarteto con sonido a colegiala ingenua. King y Goffin consiguieron más de 100 temas en listas.
Carole, tras divorciarse y trasladarse al Laurel Canyon, es animada por su amigos James Taylor y Joni Mitchell a emprender su carrera como solista. Tras un primer ‘Writer’ (1970) no demasiado exitoso, lanza ‘Tapestry’, que vendió más de 15 millones de copias y ganó cuatro Grammys.
De Carole podemos decir que no solo ha escrito buena música, sino que ha compuesto la música de una generación. Como dice uno de sus fans, “después de 50 años, consigue todavía mover la tierra bajo nuestros pies con sus temas”. “I Feel the Earth Move” es un tema de ‘Tapestry’ (1971), un himno de una mujer fuerte y segura.
En el 2010 publicó un disco junto a Taylor rememorando la vida en el Laurel Canyon en su templo de encuentro ya desaparecido ‘Live at the Troubador’. En el funeral de Aretha Franklin (2018), King le hizo un tributo con el tema “(You Make Me Feel Like) A Natural Woman)”, el mismo tema que había hecho famoso la reina del soul y que había interpretado en el 2015 en homenaje a la compositora provocando las lágrimas de Obama. Ahora vive retirada en una granja de Idaho.
5. Courtney Love: I Think That I Would Die
Nacida en San Francisco (1964), llamó la atención por su figura desinhibida en las escenas de punk y grunge con su banda Hole, su matrimonio con Kurt Cobain y sus letras de confrontación con la sociedad vigente.
‘Live Through This’, segundo álbum de Hole, disco de platino dos veces, estuvo en la lista de los 500 mejores discos de la historia de la revista Rolling Stone. Las letras reflejaban el momento vital de Love, convertida en madre, casada con Cobain y con éxito profesional, todo sin caer en la ñoñería, sus canciones seguían hablando de miedos, abusos infantiles y violencia.
“I Think That I Would Die” es una canción interrumpida por un estribillo arrebatador (la guitarra de Erlandson). En este tema articula la angustia que le causó perder la custodia de su hija (por drogas) durante unas semanas en 1992, mientras el personal de Bienestar Infantil decidía si Kurt y ella podían cuidarla. Dudaban que pudieran abandonar los hábitos que se les conocían. Courtney no duda en cantar “¿Dónde está mi niña?” y en gritar más tarde “No hay leche”, el resumen más doloroso de esa ausencia forzada, la retirada de la leche materna al no poderla amamantar
Paradójicamente, y con este título, ‘Live Through This’, fue lanzado en 1994 cuatro días antes de que Kurt Cobain fuera encontrado muerto de una herida de escopeta autoinfligida. Dos meses más tarde fallecería por sobredosis de heroína Kristen Pfaff, bajista de la banda. La gira del disco fue un acto heroico rodeado de dolor, violencia y comportamiento errático de la cantante, con guitarras rotas en el escenario y bofetadas en el backstage. Llegó a afirmar que si Kurt Cobain se levantase de la tumba, le mataría por haberla dejado en semejante situación: viuda, madre, politoxicómana y desesperada.
6. Joni Mitchell: Free Man in Paris
Nacida el 7 de noviembre de 1943, es una cantante y pintora canadiense. Comenzó su carrera musical en Toronto, se relacionó luego con la floreciente escena del folk de Nueva York de mediados de los sesenta y se trasladó al Laurel Canyon donde relataría en sus canciones la vida, personajes y amoríos de lo que se constituiría en la nueva cuna del rock en ese final de los sesenta y comienzo de los setenta.
En esa triada de sexo, drogas y rock n’ roll, no dudó en vivirlo de forma intensa iniciando su relación con Crosby, enamorándose locamente de Nash y cerrando el círculo en unas semanas con Stills. Autora de la canción icónica “Woodstock”, festival al que no asistió por consejo de su discográfica, amplió sus horizontes musicales, dirigiendo su interés hacia el pop y el jazz. Es una de las cantantes y compositoras más respetadas de finales del siglo XX. Fue David Crosby el que apadrinó a Joni tras descubrirla en un garito de Nueva York. Desde allí se trasladarían a Los Ángeles para iniciar un ascenso meteórico a la fama con el ambicioso David Geffen y Elliot Roberts, versión rock de Woody Allen, que los catapultarían con la compañía Asylum.
El apellido Mitchell procede de su breve matrimonio con el cantante folk Chuck Mitchell, en 1965.En la época en que abandonó su hogar en Saskatoo (Canadá), quedó embarazada. Al no ver otra alternativa, dio a su hija en adopción. Lo mantuvo en secreto durante la mayor parte de su exitosa carrera musical. Historia que comparte con el primer hijo de una adolescente Patti Smith, que también lo cedió en adopción antes de marcharse a Nueva York. Tragedias de mujeres, ocultadas que no resueltas, a diferencia del grito anterior de Courtney Love. Afortunadamente, llegaron los anticonceptivos y los cambios de legislación en muchos sentidos, ampliando la libertad de la mujer, en grave peligro en la actualidad.
“Free Man In Paris” es una canción del álbum de 1974, ‘Court and Spark’, que la lanza al estrellato. La canción trata sobre el agente/promotor musical David Geffen, amigo cercano de Mitchell a principios de los 70. Describe a Geffen durante un viaje que hicieron a París junto a Robbie y Dominique Robertson. Ha sido versionada por Neil Diamond, Sufjan Stevens, Adrienne Young, Phish, Elton John y JoJo. Fue incluida en el puesto 470 en la lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos de la revista Rolling Stone. En ‘Court and Spark’, Mitchell se despedía del folk, arropándose con Tom Scott de saxofonista al frente, con dominio del jazz y tintes residuales de folk, al proyectar temas con gran complejidad en las armonías y el ritmo.
A David Geffen, portada y proclamado por la revista Time como la superestrella de las finanzas de la industria de la música pop, no le gustó la visión de Joni sobre su persona. Lo definía como un hombre harto de “avivar la maquinaria de crear estrellas que hay detrás de una canción popular” (“Stoking the star machinery/ behind the popular song”). Hasta le pidió que no incluyera el tema en el disco. “Free Man in Paris” llegó a ser número 21 en listas. Geffen se calmó al ver que el tema y el disco facturaban millones.
7. Blondie: One Way or Another
Debbie Harris, Chris Stein y Clem Burke, banda imprescindible para entender la corriente new wave y el punk, cantan originalmente la que puede ser considerada una de las primeras canciones sobre acoso en la era moderna. Está basada en una experiencia personal de Debbie, protagonizada por un antiguo novio que se hizo experto en hostigarla una vez finalizada la relación. Llamadas telefónicas permanentes y un seguimiento pormenorizado de sus salidas consiguieron que la cantante hasta tuviera que abandonar Nueva York.
“El tipo inhalaba gases químicos todo el día, además de que era alcohólico, se volvía loco y no dejaba de perseguirme”, confesó alguna vez Harris. “Como el tema no parecía ser serio para los que no lo padecían, y hablo de los hombres en general, tuve que hacerlo un poco más frívolo”, añadía.
“De una forma u otra/ te encontraré/ y te atraparé, te atraparé, te atraparé…Paso conduciendo al lado de tu casa y si están las luces bajas, miraré a ver quién anda por ahí…” Realmente, una vivencia tenebrosa. Claramente, un delito, en la actualidad.
8. Emmylou Harris: The Ballad of Sally Rose
Emmylou es una mujer que nace en 1947 en la ciudad de Birmingham en Alabama, en el seno de una familia militar. Comienza a tocar la guitarra y cantar durante sus estudios en la universidad, pero los abandona para trabajar de camarera en Nueva York, como otras leyendas, siguiendo la estela de Baez y Dylan. Ha grabado con artistas tan diversos como Ryan Adams, Beck, Elvis Costello, Johnny Cash, Lucinda Williams, Bob Dylan, Tammy Wynette, Neil Young, The Chieftains, Lyle Lovett, Roy Orbison, The Band, Willie Nelson y George Jones.
Harris es una activista social que ha prestado su voz a muchas causas. Desde 1997 ha sido la portavoz más visible de la campaña por un mundo libre de minas terrestres, participa en cuestiones de preservación cultural, en particular en la Fundación de Música Country y el Grand Ole Opry. Y, como activista de los derechos de los animales, Emmylou apoya a PETA (Personas para el Tratamiento Ético de los Animales) y The Humane Society. En una entrevista afirmó: “Me siento atraída hacia las letras que hablan de sentimientos fuertes: la soledad, las rupturas amorosas, el envejecer, la proximidad de la muerte. Son asuntos que requieren mucha entrega.”
Fue la insistencia de Linda Ronstadt, su gran amiga, mientras la ayudaba a salir del duelo por Parsons, fallecido de una sobredosis de droga a los 26 años en una habitación de hotel en Joshua Tree (California), la que logró que fuera fichada por Reprise a mediados de los setenta. En ese momento fue cuando Emmylou comenzó a componer, sumado a su voz cautivadora.
‘The Ballad of Sally Rose’ es el duodécimo álbum de estudio de Harris, publicado por Warner Bros en mayo de 1985. Supuso un cambio estilístico respecto a su anterior discografía, debido a que todas las canciones fueron compuestas entre ella y su marido Paul Kennerley. Es un álbum conceptual basado en la antigua relación de Harris con Gram Parsons. El disco relata la historia de un personaje llamado Sally Rose, una cantante cuyo amor y mentor, un músico de mala vida, muere en la carretera.
En una entrevista para la BBC, Harris comentó que el álbum fue un desastre comercial desde su lanzamiento, por lo que tuvo que volver a trabajar en otras actividades para poder pagar sus facturas. ‘The Ballad of Sally Rose’ fue nominado al Grammy en la categoría de mejor interpretación vocal country femenina. En junio del 2022, estuvo en Vitoria esta gran leyenda del country. Compartió escenario con artistas de la talla de Brian Wilson y Patti Smith.
9. Marianne Faithfull: Sister Morphine
Marianne Faithfull nació en Londres en 1946 y vivió hasta el treinta de enero de 2025, fallecida muy recientemente. Su trayectoria es puro rock n’ roll.
“Sister Morphine” es una canción originalmente lanzada por la cantante británica Marianne Faithfull como single en 1969. Fue más tarde popularizada por The Rolling Stones, quienes incluyeron el tema en ‘Sticky Fingers’, su álbum de 1971. Por su título, fue retirado en varios países como España. En este disco, la canción fue originalmente acreditada a Jagger/Richards, pero por ley, finalmente, se incluyó a Faithfull como co-escritora en los créditos. La versión de Faithfull tiene a Mick Jagger en guitarra acústica, a Charlie Watts en batería, a Ry Cooder en slide y bajo, y a Jack Nitzsche, el productor del tema, en piano y órgano eléctrico. Solo 500 copias de “Sister Morphine” no fueron vendidas.
Tras romper la relación con Jagger, Faithfull dejó de grabar, la adicción a la drogas se hizo salvaje e incluso vivió en la calle durante sus años más duros de dependencia.
En 2006 enlazó tres papeles de éxito en el cine, entre ellos el de María Teresa I de Austria en la película de Sofia Coppola ‘María Antonieta’, y un papel protagonista en ‘Irina Palm’, sobre una viuda madura que ha de trabajar en un club de alterne para pagar un tratamiento médico a su nieto. Esta filmación coincidió con su diagnóstico y tratamiento de un cáncer de mama y una posterior depresión grave de la que logró recuperarse.
“Sobre una posible jubilación, no entiendo por qué la gente especula o piensa en eso. Tengo mucho trabajo y me gusta lo que hago. Mientras resista físicamente seguiré. Soy una artista en activo”, dijo Faithfull tras haber pasado el Covid con secuelas pulmonares y la voz dañada. De hecho, en el 2021 sacó un nuevo disco, ‘She Walks in Beauty’ (que podríamos traducir como “Ella camina en la belleza”). Se trata de un álbum especial, en el que graba sus poemas favoritos de grandes poetas románticos de la literatura británica, con la ayuda del multiinstrumentista Warren Ellis. Larga vida al rock n’ roll y a esa capacidad de supervivencia y superación ante tanta adversidad.
10. Celeste Carballo: Me vuelvo cada día más loca
Artista argentina de rock y blues, bonaerense de 1956, está considerada una de las mejores voces del rock de su país. En 1982 grabó su primer disco, ‘Me vuelvo cada día más loca’. En 1984, llega a España en gira promocional para sus dos primeros discos y comparte cartel con Ángeles del Infierno y Banzai. En Barcelona telonea a Bob Dylan y comparte escenario con Santana. En 1985, con Charly García como director artístico, saca nuevos temas y se electrifica de forma completa.
En 1987, monta el espectáculo “Sandra, Celeste y yo”, con un éxito clamoroso. De esa época datan los dos discos a dúo Sandra y Celeste, ‘Somos mucho más que dos’, con el que recorrieron América Latina y ‘Mujer contra mujer’. Es en 1991 cuando cuenta en un programa televisivo su relación amorosa con Sandra Mihanovich, dando a conocer su lesbianismo, lo que supuso su ruptura sentimental.
Mihanovich cuenta muchos años más tarde que ella que era de silencios y de intimidad reservada: “Fue hermoso lo que hicimos. A mí se me cayó la mandíbula cuando vi el afiche de ‘Mujer Contra Mujer’ en la calle. Una cosa es ver la foto en el estudio y otra muy distinta fue encontrarme con afiches de 2 por 2. ¡Fue un escándalo! Pero, a la vez, creo que era muy armónico, muy bello y era algo estéticamente muy logrado. Gabriel Rocca, el responsable, es un gran fotógrafo. Yo estoy orgullosa de haber transitado todas esas cosas, pero confieso que no soy tan valiente como parezco. Creo que he transitado por todos esos lugares casi sin darme cuenta, como cuando te zambullís en la pileta”.
Carballo siempre ha sido valiente en defender la libertad a toda costa. Ella se definió con las palabras “Me vuelvo cada día más loca” Y ahí sigue, grabando y dando conciertos.
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1 comentario
Sinceramente no me gusta mucho el resumen hacia las 10 mujeres celebrando el Dia De La Mujer Trabajadora ya que faltan históricas mujeres como DORO, PATTI SMITH o nuestra pionera y gran AZUCENA.